Nigerian singer Temi DollFace (photo: artist)

How to Get Rid of the Man

Review

The nigerian singer Temi DollFace claims womanhood as a source of strength. Her song «Pata Pata» is a lively example for deconstructing patriarchal norms and clichés with a lot of humour, that stays critical. From the Norient book Seismographic Sounds (see and order here).

Think retro scenes reminiscent of the Mad Men era, visualize fierce azonto dance moves, subversive pidgin lyrics flying across your screen. Think various outfit changes from 1950s-style suburban American housewife frocks to strapless print tops and pale chiffon layered skirts that could have been lifted straight off a contemporary African catwalk. Think of the pop culture visuals of the likes of Andy Warhol mixed with the vibrancy of contemporary Nigerian youth culture. Now add to this mix an infectious beat, catchy lyrics, and a refrain of «Pata Pata» that brings to mind the hit song of the legendary South African singer Miriam Makeba. Yet this iteration of «Pata Pata» is firmly Nigerian singer Temi DollFace. Her four minutes long music video mixes American retro with contemporary Nigerian and African culture, feeling fresh whilst referencing the past. A self-described «vintage dreamer», Temi spoke about the motivation for the video’s imagery: «I knew I wanted elements from the past but fused with my West African influences. I wanted a concept that would effectively communicate the song and brand minus clichés.»

Half a Man Is Better than None

Temi succeeds in turning clichés around. She introduces «PataVac», a vacuum that sweeps the relationship away; a Pata Pata shampoo that washes the man out of her hair; and, of course, the ultimate symbol for the independent woman, a Pata Pata getaway car. The consumerism of the American 1950s and 1960s (and arguably of today) is turned on its head: the products in the video do not help women keep their men happy, as the ad men of old claimed. In a radically feminist twist, the «Pata» objects get rid of an unwanted man. This was Temi’s kickback against consumerism, and the patriarchal norm that professes: «half a man is better than none.»

«Pata Pata» is about a relationship that has run its course. The song made me think of a type of subversion sometimes exemplified by women, wherein they maintain the appearance of adhering to patriarchal norms, whilst fuelling internal rebellion toward an eventual external revolution. Temi explained: «Where gender politics is concerned, my stand is one of equality and advocating female empowerment. To me, an empowered female takes the characteristics of her gender and allows them to make her powerful, confident, and secure despite the sexism that may exist around her in a society where being male is inherently empowering». As a feminist who is politically from the social constructivist school of thought, the notion of taking on the characteristics of one’s gender, and using that as a basis of strength and power is contradictory to my own views. At the same time, I can recognize the power in claiming femininity and womanhood as a source of strength. Most importantly I appreciate that Temi’s music has a clear agenda that is uplifting and inspiring to girls and women everywhere.

This text was published first in the second Norient book «Seismographic Sounds».

Biography

Nana Darkoa Sekyiamah is a communications professional, writer and a blogger from Ghana. Her articles have been published widely in print and online. She is co-founder of the popular blog Adventures from the Bedrooms of African Women: Adventures from the Bedrooms of African Women. Follow her on Instagram and LinkedIn.

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Seismographic Sounds: Visions of a New World

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The second Norient book «Seismographic Sounds: Visions of a New World» introduces you to a contemporary world of distinct music and music videos. Written by 250 scholars, journalists, bloggers and musicians from 50 countries.

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Published on March 20, 2016

Last updated on April 11, 2024

Topics

Desire

Nostalgia

Youth

All Topics

Special

Seismographic Sounds

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Filmstill: Los Punks: We Are All We Have (Angela Boatwright, Los Angeles 2016)

Wut macht kreativ – Punk in Los Angeles

Review

by Jonas Engelmann

Punk war nie so offen, wie er gerne predigte. Trotz der kritischen Haltung gegenüber an Sexismus und Rassismus, war der Stil vor allem ein Soundtrack männlicher, weisser Vorort-Jugendlicher. In L.A. war das immer schon anders, zeigt Angela Boatwrights Film Los Punks: We Are All We Have.

Punk hatte von Anbeginn ein Problem: Die Subkultur war als musikalischer Aufstand gegen die bürgerliche Kultur und die verstaubte Musikgeschichte angetreten, als Ausbruch aus der Engstirnigkeit gesellschaftlicher Zuschreibungen. Doch allein der Wille kann die Welt nicht verändern. Zwar hat sich Punk als antisexistisch und antirassistisch verstanden, doch waren Frauen im Punk eher die Ausnahme und die einzige überregional bekannte afroamerikanische Punkband sind bis heute die Bad Brains geblieben. Die klassischen Geschlechterrollen reproduzierten sich innerhalb der Szene, ebenso wie rassistische Ausschlussmechanismen am Werk waren: Punk war vor allem der Soundtrack männlicher, weisser Vorort-Jugendlicher, mit Inhalten, die ihr Leben dokumentierten und ihre Unzufriedenheit mit der Welt bekundeten, die aber kein Ohr hatten für die Probleme anderer sozialer und ethnischer Gruppen.

Selbstverständlich wurden die wenigen interessierten Afroamerikaner und Asian Americans offenherzig in die Szene integriert und in Grossbritannien eifrig an Kollaborationen mit Vertretern der Reggae-Szene gestrickt, doch Punk blieb die Rebellion weisser Jugendlicher gegen eine rassistische Welt – eine intensive Reflexion über diesen Widerspruch hat erst seit den Neunziger Jahren stattgefunden.

Los Angeles – Multiethnischer Schmelztiegel

Eine der wenigen Ausnahmeerscheinungen in dieser weissen Jungswelt war seit den Siebzigern Los Angeles und eine solche Ausnahme ist die Stadt bis heute geblieben. In East Los Angeles hatten damals die Kinder mexikanischer und puertoricanischer Einwanderer wie Alicia Armendariz Velasquez (The Bags), Tito Larriva (The Plugz), Teresa Covarrubias (The Brat) und Gerardo Velazquez (Nervous Gender) in der Punkszene einen Ort gefunden, einerseits den einengenden Erwartungen ihrer Elternhäuser zu entkommen, die oftmals sehr konservativ und stark religiös geprägt waren, und andererseits den prekären Lebensbedingungen eine Alternative entgegenzusetzen. Ein Umfeld, in dem andere Werte eine Rolle spielten, als finanzielle Sicherheit.

Punk war unprätentiös genug, um erstmals auch Jugendlichen aus ärmeren Verhältnissen offenzustehen, die sich keinen Musikunterricht und teure Instrumente leisten konnten. Die Schwelle, mitzumachen, sei es als Musiker, Konzertorganisator oder Zuschauer, war so niedrig wie in keiner Jugendkultur zuvor. Auch inhaltlich war Punk durch die Zusammensetzung der Szene in East Los Angeles offener als anderswo, ganz selbstverständlich wurde die Lebenswelt von Hispanics in den Texten thematisiert. Und zuletzt half Punk auch den weiblichen Musikerinnen, traditionelle Rollenmuster hinter sich zu lassen und die männlichen Punks mit feministischen Themen zu konfrontieren, die sich ihren anerzogenen Machismo abzugewöhnen hatten.

Diese Offenheit und Tradition hat sich bis heute erhalten. Das zeigt Angela Boatwrights Film Los Punks: We Are All We Have. Immer noch ist die Subkultur ein wichtiger Flucht- und Sehnsuchtsort für viele Jugendliche, aber auch eine Einladung, die von ihnen erwarteten Lebensentwürfe in Frage zu stellen und sich eine neue, eigene Identität zu entwerfen: als Alternative zur Enge der Familie haben sie sich eine eigene Familie aufgebaut, die sich zu regelmäßigen Treffen zusammenfindet.

Garagen zu autonomen Zentren

Während andere in ihren Gärten und Hinterhöfen Barbecues veranstalten, hat sich in East LA eine lebendige Backyard-Konzert-Szene entwickelt. Wie so oft im Punk wurde ein Mangel – die fehlenden Veranstaltungsorte für Konzerte – in Eigenregie zu einem kreativen Element umgewandelt: statt sich mit den Gegebenheiten abzufinden, werden die vorhandenen Räume genutzt und umgedeutet, aus Garagen, Schuppen, Terrassen und Hinterhöfen werden für ein paar Stunden autonome, subkulturelle Zentren. An immer neuen Orten finden sich nun Wochenende für Wochenende unter den Augen genervter Nachbarn und toleriert von der lokalen Polizei Punks ein, um ihre Bands zu feiern: Corrupted Youth, Psyk Ward oder Rhythmic Asylum.

Die Szene, die sich musikalisch und ästhetisch als Fortsetzung des frühen britischen Streetpunk versteht, ist gross und seit den Sozialen Netzwerken weiter am wachsen. Nacho, Konzertveranstalter und Sänger bei Corrupted Youth, ist seit vielen Jahren dabei und bestreitet mittlerweile seinen Lebensunterhalt mit Punk. Viele der Protagonisten in Boatwrights Film sind ihrer Jugend mittlerweile entwachsen, und doch beim Punk geblieben, der hier eben nicht reine Jugendkultur, sondern Lebensentwurf ist.

Gary Alvarez, 22 Jahre alt, Sänger bei Rhythmic Asylum und Politikwissenschaftler, verdankt Punk durch dessen Anspruch, Gegebenes nicht einfach hinzunehmen, sondern stets zu hinterfragen, auch seinen Ehrgeiz, durch Bildung den ärmlichen Verhältnissen zu entkommen. Im Film spricht er vom unterfinanzierten Bildungssystem in East LA, dem er die Schuld für selbstdestruktive Tendenzen bei Jugendlichen gibt, und denen er mit seiner Musik etwas entgegensetzen will. Punk ist für ihn die künstlerische Repräsentation all der Spannungen und Ängste, der Wut und des Drucks, den er und seine Freunde aus einkommensschwachen, abgehängten Familien, tagtäglich verspüren.

Die Schule des Punk

Dieser Druck lässt nicht nach, wenn die Jugend vorbei ist, im Gegenteil – für viele beginnt dann erst der Kampf. Wie für Alex, 23 Jahre und Sänger bei Psyk Ward, der eine lange Geschichte psychologischer Behandlungen hinter sich und erst im Punk einen Ort gefunden hat, an dem er sich zuhause fühlt, der ihm die Ruhe gibt, eine Ausbildung zum Koch zu machen. Ein Ort, der ihn ganz selbstverständlich integrierte, obwohl seine Geschichte stark von der anderer Protagonisten der Szene abweicht: Alex ist als Sohn jüdisch-chinesisch-amerikanischer Eltern in privilegierten Verhältnissen in Manhattan Beach aufgewachsen.

Auch die Frauen haben nach wie vor den zentralen Raum in dieser Szene, der ihnen in anderen Jugendkulturen nicht gegeben wird: sei es die 15-jährige Konzertveranstalterin April, Nachos Schwester Natalie oder Kat, die Sängerin von Las Cochinas, die ihre männlichen Konzertbesucher mit der Problematik von Gewalt gegen Frauen konfrontiert und zu einem neuen Denken auffordert: «No more silence, no more violence!» Punk sei «a constructive way to be angry», sagt einer der Musiker im Film. Gründe, wütend zu sein, gibt es auch heute noch genug.

Biography

Jonas Engelmann ist studierter Literaturwissenschaftler, ungelernter Lektor, freier Journalist und Verleger. Er hat über Gesellschaftsbilder im Comic promoviert, schreibt über Filme, Musik, Literatur, Feminismus, jüdische Identität und Luftmenschen für »Jungle World«, »konkret«, »Zonic«, »Missy Magazine« und andere, lektoriert Bücher für den Ventil Verlag und gibt die »testcard« mit heraus. Follow him on LinkedIn.

Published on January 12, 2017

Last updated on April 30, 2024

Topics

Activism

Community

DIY

Youth

All Topics

Specials

Norient Musikfilm Festival NMFF 8 (2017)

Norient Festival

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Filmstill: Okmalumkoolkat (Music), Chris Saunders (Video): «Allblackblackkat» (South Africa 2014)

Time and Cultures Collide

Commentary

by Atiyyah Khan

Smiso Zwane, aka the rapper Okmalumkoolkat, channels his experiences from South Africa into his music with ease. He looks inward, back into the past, and forward to an imaginary future. In the video «Allblackblackkat» the effect is achieved through mixing a variety of dreamlike elements. Time and cultures collide. From the Norient book Seismographic Sounds (see and order here).

«Tall black cat with a bloody knife. Two live chickens. Sacrifice. Shise impepho (burn incense) then we levitate.» The start of Zwane’s spiritual poem is razor sharp. He mixes his mother tongue of Zulu with slang, switches back and forth from English to Afrikaans, riffing off spiritual imagery. The video is reimagining a traditional Zulu ceremony that Zwane experienced growing up in Umlazi, Durban. With the words «future Mfana, future black» he shouts out the name of one of his aliases (Future boy) to assert the arrival of a newness in culture. Two masked figures lead him to a pool and dip him into water. Later, we see blood from a freshly sacrificed chicken dripping down his face. Again, the sacrifice and cleansing ritual refers to a funeral ceremony from Zwane’s past.

A mysterious and somewhat menacing character is introduced in a pink and black suit with matching paint on his face. He performs an elegant dance, which emphasizes his style. The man is a reference to South African sapeur-like Swenka culture, a group of fashionable working-class Zulu men that originated in Johannesburg around the 1920s. On weekends, they were known to take part in competitions in which style and attitude were celebrated. Swenka has recently been modified into the Zulu word «Umswenko» and made popular in youth culture by Zwane. In an interview with music website Noisey, Zwane said, «Umswenko is a lifestyle that we, the youth of South Africa, are all about. It’s based on excellence and random acts of nation-building [coming together as South Africans despite our differences] in a fun, responsible way. It’s all about boosting the confidence of our youth through knowledge of self and global awareness simultaneously.»

Checkered black-and-white-painted pantsula dancers join in as the beat kicks in. Pantsula is a type of dance that emerged in the townships as a form of protest during the 1950s and 1960s. It grew in popularity along with the growth of kwaito music in the 1990s. In the video, their high-energy dancing builds up to the ritualistic ceremony. They weave back and forth between the ritual and juxtapose the past with the present. The figures are faceless, such as those often found in a dream.

Zwane’s translation of all these ideas of childhood memory, history, ritual and tradition into art is a rarity in terms of South African hip hop music videos. Usually they are more obsessed with emulating American bling culture. The visuals do not need to be dissected as a literal translation of the lyrics, but rather they bring together elements of culture important to Zwane’s own reality and fuse that into dreamlike storytelling.

This video is part of the Norient exhibition «Seismographic Sounds» and this commentary was published first in the correspondent Norient book.

Biography

Atiyyah Khan is a journalist based in Cape Town, South Africa. Her interests involve documenting the arts with an emphasis on music. Follow her on Instagram, LinkedIn, X, or Youtube.

Published on December 10, 2015

Last updated on April 11, 2024

Topics

Dance

Exotica

Music Video

Youth

All Topics

Special

Seismographic Sounds

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