Review: «Beginner's Guide to Scandinavia»

Short Essay

Scandinavia evokes a wide range of connotations. For some these include breathtaking landscapes and a life close to nature, however for others these connotations include high taxes, a nanny state and despite expensive alcohol prices alcohol abuse.

The same can be said about popular music emerging from these countries. While the compilation Beginner’s Guide to Scandinavia broadens the term Scandinavia (normally defined as Norway, Sweden and Denmark) to also include Finland, Iceland, the Faroe Islands and Greenland – commonly referred to as the Nordic countries – it’s musical approach is to highlight the musical similarities across the nation-state boundaries more than focusing on the musical diversity present. The artists included on this three disc compilation are to a large extent established and well-known within their respective genres and the album compilator Tatiana Rucinska provides a well-balanced geographical and linguistic mix in the selection of tracks.

The first CD Pop & Contemporary focuses on popular music drawing primarily on acoustic instruments and minimalistic sound. The compilation succeeds in providing a broad range of languages and geographical variability (including Sami in Niko Valkeapää’s «Birrat Birra» – my personal favorite). While presenting a homogenous sound and song design this is done at the expense of the more noisy genres of rock, dark and death metal as well as for dansbands-music for which Scandinavia is also known and associated with and which are absent from the compilation. Considering the role groups like Röyksopp and Ralph Myerz and the Jack Herren Band have played internationally electronica is also notably underrepresented.

This focus on musical homogeniety can also be heard on the second CD called Folk & Roots where the musical similarities are again accented (influences from traditional music, use of acoustic instruments, percussion). Despite the name Folk & Roots these tracks are contemporary interpretations of traditional music. Especially Norwegian traditional music currently consists of a young generation of good musicians who have reinvigorated Norwegian traditional music without including elements from popular music and it would have been nice to have heard some examples. Here other recordings by already featured artists would have been more fitting – e.g. from Unni Løvlid’s album Rusk and from Sigrid Moldestad’s album Spindel.

The third disc Jazz, Experimental & Atmospheres is the musically most diverse of the three CDs. The main focus is on contemporary Scandinavian jazz by featuring musicians well known outside of Scandinavia (e.g. Nils Petter Molvær, Esbjörn Svensson). Noticeable here is the link to traditional music either directly through the Gjermund Larsen Trio or indirectly through Karl Seglem and Terje Isungset who both have a long history of collaborating with musicians within Norwegian traditional music.

The compilation does a good job of highlighting some of the musical similarities in the Nordic countries. Since Finland, Iceland, the Faroe Islands and Greenland are territories which used to be part of Denmark, Sweden and Norway there are strong historical, musical and linguistic ties between the countries. These links still run strong with musicians collaborating across nation-state boundaries which in part also explains similar sound-concepts. This broad approach is however done at the expense of local national specialities like Finnish Tango and national (popular) music icons. But that offers the perfect foundation for a second volume of the Beginner’s Guide...

Alternate Takes...

here are some alternate tracks and videos that I would suggest:

Röyksopp: Eple (Norway – Electronica)

Kaizers Orchestra: Resistansen (Norway – Rock)

Dibbukim: Oyfn Veg Shteyt a Boym (Sweden – Folk Metal)

Meshuggah: Bleed (Sweden – Metal)

Reijo Taipale: Satumaa (Finnland – Finnish Tango)

Video not available anymore.

Jan Beitohaugen Granli: Kristofferrengja (Norway – Traditional Music)

Larz-Kristerz: Här på landet (Sweden – Dansband/Country)

Biography

David-Emil Wickström studied Scandinavian studies, musicology and ethnomusicology at the Humboldt-Universität zu Berlin, University of Bergen and University of Copenhagen. Follow him on LinkedIn and X.

Published on February 06, 2012

Last updated on April 30, 2024

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Frank Hentschel: «Töne der Angst. Die Musik im Horrorfilm», Bertz + Fischer 2011.

Töne der Angst: Musik im Horrorfilm

Review

by Didi Neidhardt,

Aileen Pinkert

In Töne der Angst. Die Musik im Horrorfilm geht Frank Hentschel dem Sound des wissenschaftlich wenig wahrgenommenen Filmgenres auf den Grund. Es lohnt sich genau hinzuhören: Die emotionsverstärkenden Klänge sind alles andere als nur Untermalung und bewegen sich von brausenden Kettensägenmotoren oder einem scheinbar harmlosen Kinderlied bis zu avantgardistischer Neuer Musik in ihrer ganzen Komplexität. Im Podcast interviewt Aileen Pinkert den Berliner Autoren und Musikwissenschaftler, im Artikel bespricht Didi Neidhardt sein Ende 2011 bei Bertz & Fischer erschienenes Buch.

→ Podcast: Interview mit Frank Hentschel [24']

Psychotronic Revisited oder Was macht die Musik im Horrorfilm?

Auch wenn obskure Horrorfilm-Soundtracks ja schon lange zu den begehrten Sampling-Quellen gehören (und last year's model Witchhouse ist da nur ein Beispiel), gab es doch bis jetzt so gut wie keine genaueren Untersuchungen dazu, welche genauen Funktionen dem Sonischen der Tonspur bei Horrorfilmen eigentlich zugeteilt sind. Dem Musikwissenschaftler Frank Hentschel ist es zu verdanken, dass diese Fragen nun endlich gestellt und - soweit möglich - auch beantwortet werden. Dabei verzichtet er bei Töne der Angst. Die Musik im Horrorfilm erfreulicherweise explizit auf Psychologisierungen, legt dem Buch jedoch eine DVD mit 43 Kurzbeispielen bei, anhand derer seine Aussagen auch gleich überprüft werden können.

Neue Musik ist zum Gruseln

Hentschel konzentriert sich aus gutem Grund auf den Horrorfilm der 1970er. Zwar hat sich die Häufigkeit mit der im Horrorkino die Tonspuren mit sonischen Ungewöhnlichkeiten besetzt sind schon in den 1960ern herausgebildet, aber erst in den 1970ern wurden diese «Klänge der Angst» zum Merkmal. Wobei auch die Gleichzeitigkeit der «Herausbildung einer genretypischen Musik und die Politisierung» des Genres von Interesse ist. Für Henschel ist das kein Zufall. Es geht um eine Welt aus den Fugen. So nähern sich schon allein auf der Tonspur erneut das Horrorkino und der Avantgardefilm. Auch das Kino erhält dadurch, als popkultureller Ort wo Eingangskanäle zu etwas ganz anderem offen liegen, eine neue Funktion. Nehmen wir nur die Neue Musik (Penderecki, Nono, Ligeti), die via Exorzist oder Shining vielleicht nicht nur Grusel evozierte, sondern eventuell auch Interesse an der Musik an sich wachrüttelte. Aber welchen Sinn, welche Funktion haben «ungewöhnliche Klänge»? Für Hentschel geht es dabei um eine «Atmosphäre der Kälte, des Schaurigen und Fremdartigen», des Unwohlfühlens, «des Unbekannten, Bedrohlichen, Unheimlichen, ‹Krankhaften›». Die »Normalität wird musikalisch aufgehoben».

Etwas zu kurz kommt dabei jedoch die Frage, ob all diese atonale, dissonante Musik nicht selber als Teil eines «negativen Kontextes» dargestellt wird. Zwar waren Regisseure wie Friedkin und Kubrick durchaus Fans neuer Töne, aber so ganz genau wird nicht klar, inwieweit Neue Musik hier selber als ›abartig‹ diffamiert wird (wenn auch nie so platt wie es der Heimatfilm mit dem Jazz anstellt). Hinter dieser Musik stand ja auch die Utopie einer Freiheit und einer Befreiung von eben jener Normalität, die in den Filmbeispielen aus dem Ruder läuft und zu der es in vielen Fällen auch keine Rückkehr mehr gibt. Henschel streift jedoch auch diese Aspekte wenn es um «Atonalität, Geräusch und Elektronik vor 1970» geht. Gerade hier, bei den «Momenten des Surrealen und Unheimlichen» und den «außergewöhnliche Schallquellen» bei Thriller, Film noir und Sci-Fi, tun sich Felder auf, die regelrecht nach weiteren Untersuchungen schreien.

Ohren der Angst

Wobei es Henschel bei seinen Analysen von «Bodysounds» (Herzlaute, Stöhnen, Atmen, Flüstern), geistlicher Musik (etwa der narrativen Funktion der Orgelmusik bei Carnival of Lost Souls), Spieluhren und Kinderliedern (exemplarisch dargestellt am Beispiel The Bad Seed, wo sich während des Films ein und dasselbe Klavierstück vom «Symbol kindlicher Unschuld» über das der «Tarnung» bis hin zum «Symbol des Horrors» verwandelt) aber hauptsächlich geht, ist die Frage nach den möglichen Gemeinsamkeiten dieser «musikalischen, visuellen und semantischen Schichten», mit deren Hilfe es nicht zuletzt auch darum geht herkömmliche Genrekonstruktionen, Kanonisierungen und Stereotypisierungen zu hinterfragen. Kurz: Was ich nicht sehen kann, muss ich hören. Nehmen wir nur das Sounddesign von The Texas Chainsaw Massacre, «bei dem es sich um die unerbittlichste Filmmusik des Genres überhaupt handeln dürfte», so Hentschel eindringlich. Eingespielt nach dem Motto «Let's just do a rumble» funktioniert der Soundtrack als «Bedrohung überall» auch ohne Film. Die in prädigitalen Zeiten, als auch Videorekorder noch nicht zur selbstverständlichen Wohnungsgrundausstattung gehörten, in einem Kino via Walkman mitgeschnittene Audiokassette wurde dann auch wie selbstverständlich im Regal zu Throbbing Gristle gesteckt.

Pop tötet Horror

So findet Henschel im Horrorfilm nach 1980 die «Entschärfung des filmischen Horrors» auch auf der Tonspur und stellt implizit die Frage, wie sehr die «Erfahrung des Grauens» gerade durch die nun in den Horrorfilmen verwendete Popmusik abgemildert wurde. Kann es sein, dass Pop sich zuerst durch Horror-Soundtracks verschärft hat, um anschliessend den Horror auf der Leinwand zu entschärfen? Fungiert Popmusik nicht bei all den Horror-Remakes der letzten Jahre nicht als Teil jener Uminterpretationen von denen auch Kim Newman in seinem gerade neu aufgelegten Klassiker «Nightmare Movies» spricht, wenn er den Unterschied zwischen den 1970ern und heute wie folgt zusammenfasst: damals wurde gezeigt, «that there was something wrong with society, but the message of the twenty-first century is that other people are shit.»

Auch wenn musikaffine Regisseure wie Argento, Carpenter fehlen, so schliesst Henschel mit seinem Buch nicht nur eine, sondern gleich mehrere Lücken. Einerseits zeigt er akribisch genau «dass auch die Musik einen Schlüssel zum Verständnis von Horror bereitstellt« (was jederzeit auch auf andere Genres übertragen werden kann), zweitens gelingt im dadurch eine Genealogie von Horror entlang spezifischer Musiken, die sich bei der Fixierung auf den Horrorfilm der 1970er eben nicht in eine Retrofalle begibt, sondern ganz klar sagen kann, was damals anders war, und warum deshalb (und nicht aus Nostalgie) immer wieder darauf Bezug genommen wird.

Dieser Review ist zuerst erschienen auf skug.at - Journal für Musik

Biography

Didi Neidhardt, geboren 1963, wohnhaft in Salzburg, Chefredakteur von «skug – Journal für Musik» (A), Artikel u.a. für testcard (D), versorgerin (A), Vorträge und Lectures in Galerien, Museen, Kunstakademien, Fachhochschulen, Bars, Weinkellern, Clubs und Gärten, div. Katalog- und Buchbeiträge (u.a. «Michaela Melián – Triangel», 2004), Beteiligungen bei Festivals und Ausstellungen (u.a. «Just Do It! Copyleft & Copywrong», Lentos/Linz, 2003, «Popfeminismus – Lost & Found», Shedhalle/Zürich & lothringer13/laden/München, 2007 & 2008, «Protest & Eigensinn im Widerstand der Kunst», Galerie 5020/Salzburg, 2008, «No Sound of Music», Kunstverein Salzburg, 2009), Promo & Booklet-Texte für div. Acts (u.a. Cherry Sunkist, Crazy Bitch In A Cave, F.S.K.) DJ und Musiker (dis*ka/München, Discozma, App-O-Negative/Wien)

Biography

Aileen Pinkert hat Medienkultur an der Bauhaus-Universität Weimar und Media Studies an der Universiteit Utrecht studiert. Sie arbeitet als freie Wissenschaftsjournalistin für unterschiedliche Film- und Fernsehproduktionsfirmen in Hessen. Seit dreieinhalb Jahren ist sie ehrenamtliche Redakteurin bei Radio F.R.E.I. Erfurt.

Published on February 08, 2012

Last updated on April 09, 2024

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Violence

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Buraka Som Sistema: «Komba» (Enchufada 2011)

Global Player zwischen Portugal und Angola

Review

by Knut Henkel

Kudoro heisst der Tanz- und Musikstil aus Angola, den Buraka Som Sistema auf Europas Dancefloors heimisch gemacht hat. In London liegt das DJ-Kollektiv aus Portugal genauso im Trend wie in Rom oder Berlin. Mit dem Album Komba im Gepäck will es nun auch Lateinamerika seine Aufwartung machen.

Die Konzerte in den europäischen Metropolen, bei denen das neue Album Komba vorgestellt wurde, seien phantastisch gewesen, sagt João Barbosa. Doch nun freut er sich zusammen mit seinem DJ-Kumpel Rui Pité auf die nächste Herausforderung: «Die Resonanz auf unsere Songs war in Lateinamerika sehr enthusiastisch», ergänzt Rui Pité. Deshalb wollen die vier DJ des derzeit erfolgreichsten portugiesischen DJ-Kollektivs demnächst durch Lateinamerika reisen – von Brasilien über Kolumbien nach Mexiko.

Wie sich das auf die Musik auswirken könnte, lässt sich im Ansatz bereits auf Komba heraushören, unter den zahlreichen Gastmusikern finden sich nämlich etwa auch die Kolumbianer von Bomba Estéreo. Mit ihrem Electro Tropical, einer treibenden Mischung aus Cumbia, Rock und Electro, hat die Band auch ausserhalb Kolumbiens Erfolge feiern können. Und die Zusammenarbeit im Enchufada-Studio in Lissabon, dem Hauptquartier von Buraka Som Sistema, soll sehr entspannt gewesen sein. Da ist in naher Zukunft eine Fort setzung der Zusammenarbeit zu erwarten – genauso wie auch im Falle von Stephan Doitschinoff, einem in São Paulo ansässigen Street-Art-Künstler. Dieser hat sich in seinen Bildern mit religiösen Aspekten der brasilianischen Kultur auseinandergesetzt, was den DJ aus Lissabon gut gefallen hat. Die Bühnendekoration oder ein Cover könnte alsbald brasilianisch sein – «das passt einfach gut zu Komba», sagt Rui Pité.

Kuduro

Das Album Komba thematisiert ein religiöses Ritual – den angolanischen Totenkult. Sieben Tage nach dem Hinschied eines Menschen organisieren Freunde und Verwandte eine Feier. Dabei werden die Lieblingsspeisen und -getränke des Toten serviert, ebenso wird zu seiner Lieblingsmusik getanzt. Dieses Ritual hat Buraka Som Sistema – unter den DJ findet sich mit Andro Carvalho auch ein gebürtiger Angolaner – in Angola selber kennengelernt. Ohnehin ist die Formation aus Lissabon gefesselt von der angolanischen Kultur – insbesondere auch von Kuduro, dem trendigen angolanischen Dance-Style: einer Mischung aus traditionellen Klängen, Techno und House.

Die DJ von Buraka Som Sistema sind mitverantwortlich, dass Kuduro in Lissabon seit Jahren sehr gefragt ist. 2006 erschienen sie auf der Dancefloor-Bildfläche und organisierten im Lissabonner Klub Mercado Partys. «Vier, fünf Monate lief das grossartig, dann wurde der Klub geschlossen», so erinnert sich João Barbosa. Just in dieser Zeit aber formierten sich die vier Freunde, die eine Vorliebe für coole Samples und harte Beats haben, zu einer festen Gruppe, die mit Kuduro zahlreiche Anhänger fand. Zum Erfolg trug von Beginn an bei, dass man von vornherein auch afrikanische DJ aus Lissabon und deren Vorstadt Amadora einlud – zum Beispiel DJ Znobia.

João Barbosa und Rui Pité selbst sind in Amadora aufgewachsen. Die Stadt ist durch die Emigration geprägt, hier leben viele Zuwanderer aus Angola, den Kapverden und Moçambique. João und Rui fingen hier schon in der Schulzeit an, gemeinsam Musik zu machen; sie spielten in einer Band. Doch das lästige Proben ging den beiden mit der Zeit auf den Wecker. Schliesslich investierten sie in einen Sampler und einen Computer, um nun die ersten Loops, die ersten harten Beats und Dance-Tracks zu produzieren. Und da die beiden nun schon einmal etwas zu bieten hatten, gingen sie mit den ersten Kreationen in der Nachbarschaft hausieren. So lernten sie Kalaf Angelo und Andro Carvalho alias DJ Conductor kennen – und mit ihnen auch den Kuduro, der aus Luanda nach Portugal geschwappt war. Die Klubabende im «Mercado» wurden prägend für das DJ-Quartett, das erste Tracks als EP auf dem eigenen Label Enchufada veröffentlichte. Dank einer grossen Präsenz auf den Internet-Portalen Youtube und MySpace löste die Musik bereits viel Aufsehen in der internationalen DJ-Szene aus. Für den Durchbruch sorgten indes die ersten Konzerte in Londons Kultklub Fabric Ende 2007. 2008 erschien dann «Black Diamond», das erste komplette Album. Die Single-Auskopplung «Sound of Kuduro» stand ganz im Zeichen von Luandas DJ-Ikonen Puto Prata und Sabrosa, und die Videos zum Album wurden auch in Luanda, London und Lissabon gedreht. Kuduro (was übersetzt so viel heisst wie «harter Arsch») war auf Europas Dancefloors angekommen.

Den Erfolg unterstrich 2008 ein MTV Music Award für die beste portugiesische Band sowie die wachsende internationale Nachfrage. Buraka Som Sistema war 2008 und 2009 fast durchgehend auf Tour und kam erst 2010 dazu, sich mit neuen Stücken zu beschäftigen. Nun sammelte das Quartett Loops, Melodien und Beats und bastelte an neuen Songs, die sich in das inhaltliche Gesamtkonzept von Komba einfügten. Das Album zeigt, dass die Band gewachsen ist, die Erfahrungen aus unzähligen Live-Gigs hat die Musik beeinflusst – der Sänger Blaya, der zur Live-Besetzung zählt, greift gleich zweimal zum Mikrofon und ist nun sozusagen die Nummer fünf des Buraka-Projekts.

Ein offenes Projekt

Wie schon beim Debüt sind auf Komba auch wieder zahlreiche Gäste zu hören. Buraka Som Sistema funktioniert eben nicht als nach aussen abgeschlossene Band, sondern als offenes Projekt mit einer Kerngruppe und wechselnden DJ, Sängern und Produzenten. Solche Gäste sorgen auf Komba für neue Facetten. Im Allgemeinen wird der harte afrikanische Kuduro, mit dem Buraka Som Sistema den Dancefloor eroberte, unterdessen etwas gedämpft, er schwingt nun subtiler. Das schafft neue Möglichkeiten für Stimmen wie jene der portugiesischen Sängerin Sara Tavares. Aber auch die Reise nach Lateinamerika wird Buraka Som Sistema – unterdessen wird das Kollektiv in einem Atemzug mit Elektro-DJ-Koryphäen wie Justice oder Digitalism genannt – weiterbringen. Es heisst, die vier DJ hätten unterdessen die Samba für sich entdeckt.

Biography

Knut Henkel, freier Publizist mit Wohnort Hamburg ist regelmäßig in Lateinamerika unterwegs. Dort beschäftigt er sich auch mit Musik. Son, Rap und Mestizo haben es ihm angetan und überaus spannend findet er nicht nur die neuen und alten Klänge zwischen Ciudad Júarez und Feuerland, sondern auch deren Hintergründe und Entstehungsgeschichte.

Published on February 03, 2012

Last updated on April 30, 2024

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