Nikos Papastergiadis speaks about the globalization of culture and its meaning for people and institutions involved in the world of the arts.
The Australian scholar Nikos Papastergiadis speaks about aesthetic cosmopolitanism. He is professor for Cultural Studies and Media & Communications at the University of Melbourne. His current research focuses on the investigation of the historical transformation of contemporary art and cultural institutions by digital technology. In Summer 2010 he spoke at the Sommerakademie of the art museum Zentrum Paul Klee in Bern, Switzerland.
This is his speech about art and the cosmopolitan imaginary – in four parts of about 12 minutes each.
Norient would like to thank Nikos Papastergiadis and the Sommerakademie Zentrum Paul Klee for the permission to publish this speech.
Biography
Michael Spahr (VJ Rhaps) is a historian MA, journalist, and media artist. He was on the board of Norient from 2008 until 2014. He developed the website norient.com. He was the co-founder and co-director (2009–2014) of the Norient Musikfilm Festival. He contributed with his video art to the audio-visual scientific media performances of Norient. He was the host and DJ of Norients monthly radio show Sonic Traces on Radio RaBe. He works as a freelance artist, film maker, and journalist in Bern (Switzerland). Follow him on his Website.
What happens when U.S.-blogger collects african music and offers it for free? What is the difference between «textually signaled» and «textually unsignaled»?
Auf dem Internet ist eine Sammlung mit über 10’000 Musik- und Comedynummern von 1901 bis 1925 frei zugänglich. Sie erlaubt einen neuen Blick auf die Anfänge der amerikanischen Popkultur.
Es waren die ersten Stars, die man auch zu Hause in der Stube bewundern konnte, aber bis auf wenige Ausnahmen hat man sie vergessen. Die Musik von Stella Mayhew, Billy Murray oder Bert Williams lagerte in den Archiven der Plattenfirmen, weggeschlossen. Wenn nicht sogar weggesprengt wie im Falle von RCA, dem Musikkonzern, der Anfang der 60er-Jahre sein Lager in New Jersey gar nicht erst räumte, bevor er es pulverisierte. Die Trümmer wurden in den Delaware River geschaufelt, um darüber ein neues Pier zu bauen – und mit ihnen Tausende von Masteraufnahmen von Victor, einer Plattenfirma, die von 1901 bis 1929 existiert hatte.
Verloren war die Musik von Victor damit nicht. In Bibliotheken und privaten Sammlungen hat sie auf Schellackplatten überlebt – und jetzt taucht sie im Internet wieder auf. Ende Mai hat die Library of Congress, die US-amerikanische Nationalbibliothek, die National Jukebox aufgeschaltet – eine Online-Sammlung von 10’000 Aufnahmen aus dem Katalog von Victor. Die Rechte gehören heute dem Unterhaltungskonzern Sony, der die Musik der «Jukebox» gratis zur Verfügung stellt, freilich nur als Stream, nicht zum Download. Dafür kann man sich ganz leicht seine eigenen Playlists zusammenstellen.
Der Goldrausch der Pioniere
Wie die Library of Congress verspricht, wird die Sammlung digitalisierter Schellackplatten nun laufend ergänzt. Später im Jahr soll auch die Musik anderer Plattenlabels dazukommen, die heute Sony gehören: Darauf darf man sich umso mehr freuen, als mit Okeh oder Columbia auch solche dabei sind, die für die frühe Blues- und Jazzgeschichte ausserordentlich wichtig waren.
Doch schon jetzt ist die National Jukebox von unschätzbarem Wert, und das nicht nur, weil sie auf Anhieb die grösste Sammlung ihrer Art ist. Wie schon das vergleichbare, aber kleinere Online-Musikarchiv, mit dem die Universität von Santa Barbara, Kalifornien, für Aufsehen gesorgt hat, ermöglicht auch die Jukebox einen umfassenden Blick auf einen vergessenen und verdrängten Teil in der Geschichte der US-amerikanischen Populärmusik. 1877 hatte Thomas Edison die erste Tonaufnahme der Geschichte gemacht, und zur Jahrhundertwende lief dann die Massenproduktion von Platten und Phonographen an.
Wer sich durch die Jukebox klickt, kann den Goldrausch förmlich hören, den die neue Technik damals ausgelöst haben muss. Die Plattenfirmen hatten noch keine genaue Idee davon, was beim Publikum zum Hit werden könnte, und probierten alles Mögliche aus: Opernstars wie Enrico Caruso machten ihre ersten Aufnahmen, aber auch obskure Gesangsquartette. Die Sänger vom Broadway und die Ragtime-Pianisten, die Komiker und die Präsidenten, die sich nun per Schallplatte aus dem Weissen Haus ans Volk wandten.
Und immer wieder begegnet man den Immigranten und ihren Nachkommen, die für die grossstädtische Diaspora sangen: Armeniern und Chinesen, Iren und russischen Juden und auch Fritz Zimmermann, der die Heimwehschweizer mit «De Gaemsjaeger» oder «D’ Meitschi von Emmetal» bediente. Neben viel Skurrilem – so das deutsche Kriegshörspiel «Vorposten an der italienischen Grenze» von 1916 – findet man auch Meilensteine der Musikgeschichte: Der «Livery Stable Blues» der Original Dixieland Jazz Band von 1917 gilt als die erste Jazzaufnahme überhaupt.
Natürlich, diese Aufnahmen klingen für heutige Ohren prekär. Dies war die Ära der mechanischen Tonaufnahme. Die Musiker spielten im Studio in ein langes Rohr, an dessen Ende eine Membran und eine Nadel sassen, welche die Schallwellen auf eine Platte oder einen Zylinder übertrugen. Erst ab 1925 gab es Mikrofone und Verstärker: Geräte, die den Strom nutzen und so den Klang flexibel und geschmeidig machen. Entsprechend rustikal klingen die Platten aus der Zeit um den Ersten Weltkrieg.
Das rassistische Erbe
Aber das Rauschen und Knacken passt ganz gut zur Unübersichtlichkeit dieser Ursuppe aus Folklorismen und angeeigneten Kunstmusiken, die sich noch nicht zu festen, vermarktbaren Genres verdickt hat. Ja, man kann in diesem Fundus wiederentdeckter Aufnahmen durchaus den Soundtrack zum amerikanischen «Nation Building» hören. Aus diesem trüben Amalgam unterschiedlichster Einflüsse stieg in den 20er- und 30er-Jahren das «Great American Songbook» auf, und damit eine ganze Tradition genuin amerikanischer Populärmusik, die den Broadway mit Blues und Jazz verklammerte.
Die Ursprünge dieser grossen Tradition zu hören, ist nicht immer angenehm. Denn natürlich führen sowohl die National Jukebox als auch die Sammlung digitalisierter Zylinderaufnahmen, welche die Universität von Santa Barbara online gestellt hat, auf direktem Weg zurück in die Minstrel Show. In diesem Variété, der vermutlich populärsten Massenkultur in den USA des 19. Jahrhunderts, belustigte sich das Publikum an Entertainern, die mit geschwärztem Gesicht (dem Blackface) den Slang und die Tanzschritte der Schwarzen karikierten. Ethnische Stereotypen – auch über Iren, Indianer oder Juden – gehörten bis ins 20. Jahrhundert zum Repertoire der Vaudeville-Bühnen, und selbstverständlich sind sie auch auf diesen alten Schellackplatten und Zylindern zu hören.
Die Veteranen der Minstrel-Bühne wurden in nicht wenigen Fällen zu den grössten Stars der neuen Ära. Billy Murray zum Beispiel, der Sohn irischer Einwanderer, der ab 1903 mit politisch unkorrekten Novelty-Songs nicht weniger als 44 Hits hatte (u. a. «If You Talk in Your Sleep, Don’t Mention My Name»). Oder Bert Williams, der am Anfang seiner Karriere in den Minstrel Shows den lustigen Neger gegeben hatte. Im neuen Jahrhundert wurde er zum erfolgreichsten afro-amerikanischen Plattenkünstler vor 1920, und er war der erste Schwarze, der am Broadway eine Hauptrolle sang.
So dokumentieren seine Platten auch eine Ära, die Abschied nahm von der Minstrel Show. Die steckt dieser Musik noch hörbar in den Knochen, aber überall begegnet man schon subtileren Formen des Entertainments. Es sollte nicht mehr lange dauern, bis das American Songbook blühte, sei dies nun bei Ella Fitzgerald oder bei Frank Sinatra.
Verdrängt von Blues und Folk
Wenn die amerikanische Popmusik des frühen 20. Jahrhunderts so lange im Giftschrank der Plattenindustrie blieb, liegt das auch daran, dass man erst später das kommerzielle Potenzial entdeckte, das in der Wiederveröffentlichung alter Platten steckt. Vor allem aber liegt es an ihren Wurzeln in der rassistischen Minstrel Show – die freilich, lange vor den Theatern und Konzertsälen, ironischerweise auch die erste Profibühne war, auf der schwarze Entertainer auftraten. Trotzdem wäre es etwa in den 60er-Jahren, der Ära der afro-amerikanischen Bürgerrechtsbewegung, undenkbar gewesen, diese Musik herauszubringen.
So ist es kein Zufall, dass in den 60ern der ländliche Folk und Blues zu den Wurzeln der US-Popmusik erklärt wurden. Die puren, aber auch klar stilisierten Weisen aus den Appalachen und dem Mississippi Delta passten besser in die mythologischen Konzepte der Rockgeneration. Nur: Die Plattenfirmen hatten diesen ländlichen Markt erst ab 1925 erschlossen, als für die Aufnahmen kompakte, mobile, mikrofonierte Geräte zur Verfügung standen. Auch hier machte erst das Medium die Botschaft. Aber diesmal war es eine, die auch die Nachwelt noch gerne hören mochte.
Biography
Christoph Fellmann (* 1970), lebt in Luzern, arbeitet in einem Teilzeitpensum als Musikredaktor beim Tages Anzeiger in Zürich. Daneben arbeitet er als freier Journalist und Texter. Follow him on Instagram.
What happens, when artists move from one to another country? For example, when an Arab artist replaces the big tractors in her the village with big jeeps of the West.
Jagwa Music: A bricolage of old-style Zaramo drums; a battered stool beaten with sticks; a small Casio hand organ; and singers belting out songs on how to survive in the urban maze of Dar es Salaam.
Jagwa Music/ Mchiriku: Urban ghetto sounds from the suburbs of Dar es Salaam. A bricolage of old-style Zaramo drums; a battered stool beaten with sticks; a small Casio hand organ hooked to megaphone used years back to make public announcements; singers belting out songs on how to survive in the urban maze faced with unemployment, drugs & alcohol, Aids, unfaithful girlfriends, oppressive relatives; a stage/dance choreography that veers between a non-stop gymnastics workout, concert-party like theatrics & humour, acrobatics, erotic self expression; a performance energy that hits you like so much TNT, or better, like the Jaguar fighter plane that the group took up for its name.
What to do with labels? Call it Afro punk for sheer noise, for distortion as a creative element, for attitude; there are elements of trance and minimal musics harking back to local precedents in nzumari (a double reed horn) playing and the hypnotic melodies of the rimba (called mbira elsewhere in Africa); there is the sexual energy of kuduro and mapouka; the highly charged lyrics compare well to any socially conscious tradition be it rock or rap.
Jagwa Music
Jagwa Music emerged in 1992 as a spin-off from an earlier group playing chakacha (locally a mixture of the bite&tunes of Mombasa taarab songs with Zaramo rhythmic and kinetic ideas) at wedding celebrations. Their name Jagwa (from the French fighter plane) came up in opposition to their rivals which had named themselves Scud, all terminology coming down right from the first Gulf War. Initially Mchiriku was closer to chakacha, Jagwa developed their edge with the current members joining within the past ten years: Above all, these are the two kinanda (Casio) players Daliki and Diploma, intensifying the style with their minimalist end-of-day feedback and distortion deluges, Mazinge’s and TP’s powerful and always shifting drumming patterns; and, more recently with current frontman and main attraction Jackie joining. The latter is an energetic singer and performer, belting out songs and commentaries on day-to-day street life with never-ending vigour.
Jagwa’s members are all living the street life themselves, mostly working in the cut-throat Dar es Salaam dala-dala (private bus-taxi) business as dei-waka (unlicensed drivers who jump in when another driver is caught by police or does not make it to work otherwise), others are manamba, touts who hustle customers into the buses for a few shillings in return. By mid-day they will have made enough money to keep them going until the next morning, paying for food and some of the other enjoyments they may like. In the afternoon they all meet at their maskani «hangout» under a tree in Mwananyamala close to Jolijo’s, their patron’s little house and restaurant. With upcoming gigs, or when new songs need to be rehearsed, they convene in Jolijo’s backyard to get it all down. Their performing weekend usually starts on Friday when they suspend the week’s hustle, relax during daytime to play the all-night mchiriku gigs at family celebration like weddings around Dar’s suburbs or smaller towns in the vicinity like Bagamoyo, Chalinze or up to Morogoro.
Mchiriku Style
Mchiriku’s and Jagwa’s defining sound emanates from a small vintage Casio keyboard that also gives the style its alternative name mnanda (from kinanda, a «small musical instrument/box»). Actually Mchiriku originated when these keyboards first became available in the early 1990s: The Casio’s cheap lo-fi PCM sounds acquire more of the desired grit and distortion necessary for Mchiriku when they are hooked to even more vintage amp and megaphone combinations, with additional flavor added by the effect of a natural «voltage drop» on the electronics when the internal batteries are running low in the course of their usually all-night performances around Dar es Salaam. A search around the internet confirms that some of the «natural» sound effects of Mchiriku are actually well en vogue with so-called «circuit-bending» technician/artists around the globe; judging from the prizes paid on ebay for some particular models of these vintage Casios they are in high demand with many contemporary musicians. Now for those wanting to go out to set up their own Mchiriku band: only two of the vintage models are suitable as Casio changed the sound on subsequent editions. As further bricolage items you need to be in touch with local plumber for the plastic pipes to manufacture some of the bigger drums; also have some goats on standby for skins. Otherwise you need a solid olden stool and some good sounding sticks (claves) to beat, a rusty bicycle bell. Don’t forget the old Japanese Toya amp and a megaphone.
Mchiriku is collective improvisation—kind of upside-down—yet perfectly situated in local aesthetics: While the Casio/Kinanda is the only melodic/harmonic instrument, it usually holds down fixed patterns for the song and the faster dance sections called mtapa, its excitement being created by the shifting patterns generated in relation to the percussion instruments and the distortion/feedback patterns emanating from the combination of playing technique/ amplification system. As such the Casio is akin to the nzumari (a double-reed oboe-type instrument) used in old-time ngoma and with similar functions of leading segues from one song to the other or signalling a change of pace.
As already brought to the fore by the number of players (four), the percussion is a most important element of Mchiriku: The master drummer plays misondo (two mid-sized hand drums and the deep bass drum all made from various sizes of plastic pipes), filling in is the dumbak player (two small carved hand drums and an array of differently pitched drums played with sticks); vijiti two small sticks beaten on a wooden stool and rika (tambourine) complement the drums. Master drummer Mazinge (also nicknamed «Kompyuta» for his ability) holds down the quick rhythm on the smaller misondo, all the while commenting on and supporting the vocal message with the bass msondo; this bass sound also guides and incites the dancers in the faster second part of songs. TP’s dumbaki lock into the basic rhythm with higher pitched sounds, when all is ready to burst in the mtapa section he adds further layers of sound and excitement with the tuned stick-beaten drums. Together with the stool-and-stick combination and the tambourine/bicycle bell combination the whole percussion section does not just create rhythm and time (horizontal organization) but also shifting patterns of sound and a layering of pitch levels that is so typical of much African music-making.
The Message
Jagwa’s songs typically comment on day-to-day issues of life in the city and many have become proverbial with time, titles or phrases being painted on the sides or backs of the dala dala bus taxis plying the streets of Dar es Salaam. Hardly dealing with unrequited love, the songs advise on how to survive in the urban maze faced with unemployment, oppressive relatives, Aids and unfaithful girlfriends (or husbands for that matter), drugs and alcohol. One their best-loved songs is Maisha Po Pote («One Can Live Anywhere in this World»):
Life in town has not yet overpowered me,
I am telling you, brothers, back in the village.
And I continue to suffer, but know that:
your arguments really sound fishy my brothers.
Why do you want to take me away from town,
while I manage to handle my life.
And why take me away from town
while I get along well with my fellow townspeople.
Life, in this world you can live and make a living anywhere!
If you are born a man you can live anywhere,
You can survive in Mererani [mines], you can live in Arusha or Zanzibar, or Europe!
You can even live an al-Kaida [underground] life ….
Anywhere in this world!
In a more recent song Mauaji ya Maalbino («The Killing of Albinos») they have taken a stand against the wide-spread killing and slaughtering of albino people for selfish and pecuniary reasons:
Let us not close our eyes to what is happening
All citizens and the state let us work together
In this country albinos are slaughtered like animals!
It really hurts my heart and soul,
That my fellow human is caught in broad daylight,
Has his arms, even the head cut off, it really hurts.
Just because of money problems, and corruption everywhere.
It is you practitioners of black magic who are at fault:
Why don’t you cut your own limbs?
The Wider Picture
In terms of Tanzanian media Mchiriku & Jagwa do not exist. You can’t hear their songs on the radio; their kind of entertainment is associated with uhuni (thuggery) and the city’s low life. In the 1990s Mchiriku performances were even banned by the authorities several times. Yet they have a large following around Dar: you can see quotes from their songs painted as slogans to the sides or backs of the local dala dala bus taxis, they have released more than a dozen cassettes. In Dar es Salaam they generally perform in street-type surroundings for local celebrations, rarely hired by a bar owner, yet Jagwa have successfully transformed their act to the grand stand: In 2005 they played Womex in Newcastle and they have become one of the prime hits & audience favourites at Zanzibar’s annual Sauti ya Busara Festival where they performed to high critical acclaim in 2005, 2006 & 2009. Just recently, in September 2010, Jagwa played in Denmark as part of the Global Images Festival and they made clear that they are ready now to hit the world’s stages or as they sing, «if you are man enough, you can make it anywhere!»
Jagwa Music/ is: Jackson Aluta Kazimoto «Jackie» vocals; Shukuru Ponza «Daliki» kinanda, mkwasa, chorus; Saleh Hija «Diploma» kinanda, mkwasa; Abdalla Said «Mazinge» msondo; Abdalla Mohamed «TP» dumbaki, percussion; Mzee Rashid «Show» rika, assorted percussion; Mussa Ngalula dance; Halima Hassan dance; Abdallah Saleh Gora bandmaster, composer.
Biography
Werner Graebner war bis 2005 an den Universitäten Frankfurt, Köln und Bayreuth als Ethnologe und Afrikanist tätig. Er forschte zu urbaner/populärer Kultur in Ostafrika und den Komoren. Seit Ende der 1980er Jahre arbeitet er freischaffend als Journalist und CD-Produzent. Seit 2003 leitet er die Firma Jahazi Media.
