The Buzz of Commerce Along the Ruta del Comprador in Quito, Ecuador

«Collectively, all these voices make a lot of noise: the auditory experience of the market is a disorienting hubbub of people talking, whispering, laughing, and shouting—a constant hum punctuated with louder voices.»
—Mary Weismantel, Cholas and Pishtacos, pg. 109

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This is an audio recording made during a supposed bird-sighting tour along a small igarapé (small, many seasonal, capillary tributary) in the Brazilian Amazon.

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Mangueira, Rio de Janeiro, Brazil

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Mangueira 1.14 by Sound Ethnography Project

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Bicyclists as Musicians, City as Acoustic Shell: Kagel’s “Eine Brise” in Los Angeles

First, we practiced the specified whistle:

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Walk down Ruta del Comprador–Chile Centro Historico 042112 by Sound Ethnography Project

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Kate Wax (Foto Thomas Burkhalter)

Der Text steht immer am Anfang, wenn sie einen neuen Track in Angriff nimmt, erzählt Aisha Devi Enz aka Kate Wax im Interview. Jedes Wort soll sitzen, keine Wendung zu viel sein. Dann produziert sie einen Beat, komponiert die Hauptmelodie auf dem Synthesizer. Sie singt sich in Trance: schreit, singt und flüstert ins Mikrofon und schneidet alles mit. In ihrer breiten Bibliothek stöbert sie Sounds und Geräusche auf, die sie in den letzten Jahren mit analogen und digitalen Synthesizern, Drum-Machines und Softwares produziert hat. So finden neue Sounds und Geräusche in den Track. Kate Wax manipuliert Ausschnitte ihres Gesangs, setzt sie weit in den Hintergrund, fügt Hall hinzu, oder verfremdet sie mit allerlei Effekten.

Ungefähr so entstehen sie, diese vielschichtigen Track-Montagen auf der CD «Dust Collision». Die Kunstfigur Kate Wax singt mehrstimmig über Ambient-Flächen, vielseitige Synthesizer-Ornamente, erdige Beats und Geräusch-Texturen. Experimenteller Pop ist das, irgendwo zwischen der Präzision des Teilchenbeschleunigers CERN in Meyrin (laut Kate Wax eine Inspirationsquelle für das Albumkonzept) und dem chaotischen Wirbeln von Staub in der Wohnstube.

«Diese Produktion war wie eine lange Reise durch einen dunklen Tunnel», erzählt die Musikerin: «Ich habe mich komplett abgeschnitten von der Welt. Ich brachte meine Tochter in den Kindergarten und vergrub mich dann im Studio. Ich bin eine moderne Einsiedlerin. Ausser auf Tourneen sehe ich niemanden.»

Podcast (14’47) (mit dem Lupophon im Hintergrund)

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Ihre Musik setzt Kate Wax in aufwendigen Visualisierungen um. In ihren Videoclips wirbeln Staubpartikel und Buchstaben herum. Live werden die Punkte von Niels Wehrspann (vom Genfer Graphikbüro Schönherwehrs) auf ihren Körper projiziert, oder sie sammeln sich auf dem T-Shirt ihres argentinischen Bassisten Raphaël Rodriguez und verformen sich bald zum Konterfei der Leadmusikerin.

Raphaël Rodriguez (Foto Thomas Burkhalter)

Aisha Devi Enz, halb Schweizerin, halb Tibeterin, lebt und arbeitet vor allem in internationalen Netzwerken. Oft ist sie mit dem britischen Techno-Musiker James Holden unterwegs, der ihre CD auch gemastert und auf seinem Label «Border Community» herausgegeben hat.

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«Die Kunstfigur Kate Wax und Aisha Devi Enz verschmelzen immer mehr», sagt die Musikerin. Musik ist für sie beides: Flucht aus der Welt, und Verbindung mit der Welt. «Ich verstecke mich hinter meiner Musik, und ich sage mit ihr alles über mich».

Kate Wax (Foto Thomas Burkhalter)

We are dust, we are lovers
The night loves heroes, heroes like us
Night loves, I have shivers
We are dust and kids of the universe
Universe

I’m a dog
I’m your skin walker
I lick your breath
I’m your hot body hunter

I want nothing, nothing

We are dust, we are lovers
The night loves heroes like us
The night loves, I have shivers

Come on steal my inside
Heal my body
I play the bride, a sage bride
Your skin is me

….

Sonic Traces: From Switzerland

Das Gespräch mit Kate Wax fand im Rahmen des Norient Projekts Sonic Traces: From Switzerland statt.

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«Sonic Traces: From Switzerland» («Akustische Loipen: der Schweiz») porträtiert die prägnanten und prägenden Soundquellen und Musiker der Schweiz. Tracklist Mai 2012!

«Sonic Traces» ist eine Performance-, ein Internet- und Radio-Projekt. In der transdisziplinären audio-visuellen Performance vermischen Sound- und Videokünstler Musik, Geräusche, Bilder, Interviews und Hintergrundtexte zu einer dichten Klang- und Bild-Collage. «Sonic Traces» mischt live Ansätze aus Dokumentarfilm, Radiofeature und Mixtape. Im Online-Dossier auf norient.com und auf Radio RaBe (ab Sommer 2012) stellen verschiedene Autorinnen und Autoren Schweizer Musik und Geräusche in deutschen, französischen und englischen Artikeln und Podcasts vor.

«Sonic Traces» geht den Fragen nach, inwiefern die Schweiz heute Teil einer zunehmend globalisierten und digitalisierten Welt ist, und inwieweit sie das idyllische ländliche Alpenland geblieben ist, das viele Schweizerinnen und Schweizer als ihre Heimat definieren. Was sind die prägnanten Sounds der Schweiz? Ist die Schweizer Musik ein globaler Sonderfall oder «tönt» die Schweiz wie zum Beispiel Schweden? Wie klingt die Schweiz über ihre Staatsgrenzen hinaus? Was genau können wir aus den Schallquellen über die Schweiz im 21. Jahrhundert heraushören?

Das Berner Netzwerk Norient entdeckt hörend die Schweiz und editiert und manipuliert Sounds, Krach und Musik in seiner Live-Performance. Schweizer Musikerinnen, Klangforscher, DJs, Komponisten und Dirigentinnen kommen zu Wort: Wie vertonen sie die Schweiz in ihrer Musik? Oder wie eben nicht. Es geht Norient dabei um Frage, die in einer zunehmend digitalisierten und globalisierten an Bedeutung gewinnen:

Wie lassen sich «Ort» und «Zeit» heute künstlerisch verarbeiten? Führt eine Vertonung der «Schweiz» zwingend zu stereotyper und exotischer Musik? Welche künstlerischen Verarbeitungsstrategien versprechen Erfolg?

«Sonic Traces: From Switzerland» wurde an einer Vor-Premiere an der Frankfurter Buchmesse 2011 vorgestellt. Die fertige Performance startet ab Mai 2012 mit einer kleinen Schweizer-Tournee. Wenn immer möglich arbeiten Thomas Burkhalter, Michael Spahr und Simon Grab von norient mit Gastkünstlerinnen und Musikern zusammen. «Sonic Traces» wird in Deutsch, Englisch oder Französisch aufgeführt.

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Nächste Aufführungen

> 31.08.2012, Theater Spektakel, Zürich
> 01.09.2012, Theater Spektakel, Zürich
> 02.09.2012, Theater Spektakel, Zürich
> 28.09.2012, Schlachthaus, Bern
> 29.09.2012, Schlachthaus, Bern
> 19.10.2012, Sound in Media Culture, Turin

Weitere Vorführungen: Jetzt anfragen und buchen!

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> 13.10.2011, Vor-Premiere, Frankfurter Buchmesse
> 21.4.2012, Innenhof PROGR, Bern (Kurzversion «Bloch» mit dem Künstlerkollektiv Com&Com)
> 16.5.2012, Walcheturm, Zürich (Digital Brainstorming)
> 17.5.2012, Palace, St. Gallen (Digital Brainstorming)
> 18.5.2012, Kino der Reitschule, Bern (Digital Brainstorming)
> 20.5.2012, Haus für Elektronische Künste Basel (Digital Brainstorming)

Eine audio-visuelle Fallstudie: Die Versuchsanordnung

«Wir von Norient haben immer in der Ferne geforscht: Experimentelle Musik aus der Arabischen Welt. Urbane Popsounds aus Afrika und Lateinamerika. Jetzt schauen wir vor unserer Haustür: Was für Musik, Geräusche und Sounds finden wir in der Schweiz? Wie hören wir die Schweiz – mit unseren fremdländisch geprägten Ohren? Um Patriotismus geht es nicht. Wir wollen musikalische und akustische Perlen heben. Wir editieren und manipulieren sie live und stellen sie in neue Kontexte. Es geht um eine global wichtige Frage – wie wir finden. Wie verarbeiten Musikerinnen und Musiker in unserem digitalen Zeitalter «Ort» und «Zeit» – wenn jeder erdenkliche Sound mit einem Mausklick auf unsere Laptops findet? Die Schweiz wird zum audio-visuellen Fallbeispiel – und Experimentierfeld. Wir haben bei Musikerinnen, Klangforschern, DJs und Wissenschaftlern in der Schweiz nachgefragt und hingehört: Wie vertonen sie den «Ort» Schweiz? Von ihnen wollen wir lernen. Und schliesslich unser eigenes Rezept finden und präsentieren.»

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Karen Geyer (Foto Thomas Burkhalter)

> Superterz, Zürich
> Simon Berz, Zürich
> The National Fanfare of Kadebostany, Genf
> Ruedi Häusermann, Lenzburg
> Joke Lanz, Berlin
> Ot Asoy, Bern
> Joy Frempong, Berlin
> Stini Arn, Bern
> Imperial Tiger Orchestra, Genf
> Eidgenössisches Jodelfest, Interlaken
> Festival Alpentöne, Altdorf
> Praed, Beirut/Bern
> Da Cruz, Bern
> Jonas Kocher, Biel
> Reverend Beat-Man, Bern
> Round Table Knights, Bern
> Dieter Ringli, Aathal-Seegräben
> Kara Sylla Ka, Genf
> Yang Jing, Aarburg
> Wael Sami, Bern
> Meduoteran, Trimbach
> Festival Ear We Are, Biel
> La Gale
> Tim & Puma Mimi
> Kate Wax
> Bittuner
> Cyril Schläpfer,
> Filewile
> Maria Gerig
> Malcolm Braff
> Duo Diatribes
> Mosibuebä
> Matthias Kuhn
> Steamboat Switzerland
> Copy & Paste
> Marc Stucki
> Marc Kilchenmann
> Boris Previsic

Kate Wax (Foto Thomas Burkhalter)

Weitere Porträts sind in Planung.

Navel, Iokoi, Blablador, Manuel Stahlberger, Geigenbauschule Brienz, Hula Honeys, Galoppierende Zuversicht, Alex Eugster, Fonoteca Lugano, Tattoo-Shows, Peter Roth, Creaked Records, Haus der Volksmusik Altdorf, Ensemble Phoenix, Elvira Glaser, WebTV, Patricia Bosshard, Festival Rümlingen, Hans Feigenwinter, Dimlite, Young Gods, Kutti MC, Carlo Brunner, Sebi Schmidig, Nadja Räss, Markus Flükiger, Daniel Häusler, Stiller Has, Hinterzimmer Records, Sina, Norbert Möslang, Bruno Spoerri, Demolition Blues, Klibi+Caroline, King Pepe, Flo Kaufmann, Rainer Trübi, Bernd Schurer, Cod.Act, Die Regierung, Kloster Disentis, Ted Robert, Bauchamp, Velma, und viele mehr.

Über das Ohr bietet die audio-visuelle Performance «Sonic Traces: From Switzerland» mit all diesen Musikerinnen, Künstlern und Soundquellen vielfältige Einblicke in das Nebeneinander von arm und reich, von Ausländerinnen und Schweizern, von Städtern und Dörflern, von Eliten-Geschmack und Laienkultur, von alt und jung.

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Round Table Knights (Foto Thomas Burkhalter)

Mosibuebä (Foto Thomas Burkhalter)

La Gale (Foto Thomas Burkhalter)

«Sonic Traces: From Switzerland» mitzuerleben, bedeutet, die Schweiz neu und überraschend anders zu hören - und die Schweiz anders zu sehen.


Die Performance

«Sonic Traces: From Switzerland» ist nach Sonic Traces: From the Arab World (2009 – 2012) und Soundscapes From the Edges (2006 – 2008) die dritte norient-Performance über Musikströmungen und Kultur in der globalisierten und digitalisierten Welt.

Die «Sonic Traces»-Performance zeigt, wie die Schweiz heute klingt. Sie bietet vielfältige, überraschende und widersprüchliche Einblicke in die Schweiz des 21. Jahrhunderts. Grundgerüst der Performance bilden die Soundquellen aus der Schweiz: Musik, Lärm, Alltags-, Medien- und Naturgeräusche. Sie werden zu einem dichten akustischen Mix verarbeitet, teilweise verfremdet und manipuliert. Im Prozess des Sammelns werden neben Tönen auch Bilder eingefangen: Fotos von Orten, Personen, Instrumenten und anderen Objekten sowie Filme mit Interviews und Konzerten. Diese ergänzen den akustischen Mix auf einer visuellen Ebene und in Form von Geräuschen und Video-Tonspuren auch auf eine akustische Art und Weise. Die Performance setzt auf Live-Elemente mit Live-Musikern und auf einen klaren kompositorischen und dramaturgischen Rahmen. Die Live-Performances werden laufend verändert und ergänzt: Verschiedene Gastkünstlerinnen und Künstler werden eingeladen, die Performance wird in Länge und im thematischen Fokus an bestimmte Veranstaltungsorte, an ein Festivalthema oder an aktuelle nationale und internationale Diskussionen angepasst. Die Performance richtet sich bewusst sowohl an ein Kenner- als auch an ein Laienpublikum. Sie kann im grossen Konzertsaal,in der Kunstgalerie, im Kino oder im kleinen Club gezeigt werden.

Das Internet- und Radio-Projekt

Neben der Performance wird die Webseite www.norient.com bei «Sonic Traces: From Switzerland» zum interaktiven Protokoll. Alle recherchierten Daten werden laufend ins Online-Magazin hoch geladen und im Dialog mit den Künstlerinnen und Benutzern editiert, ergänzt und kommentiert. Alle Porträts sind im Online-Dossier «Sonic Traces: From Switzerland» versammelt. Ab Sommer 2012 wird auf Radio Bern RaBe zudem monatlich die Sendung «Sonic Traces: From Switzerland» ausgestrahlt.

Ausschnitte

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Medienspiegel

KulturStattBern, 19.5.2012, Review, «Norient: Klangstudie Schweiz» (Weblink)

Tagesanzeiger, 16.4.2012, «Die Schweiz, das klingende Biest». (PDF)
St.Galler Tagblatt, 16.4.2012, «So klingt die Schweiz». (PDF)
Aargauer Zeitung, 16.4.2012, «Wie tönt die Schweiz?» (PDF)
Surprise, 04.2012, «Sonic Traces – Wie tönt die Schweiz?» (PDF)
Digital Brainstorming, 05.2012, «Norient oder wie tönt die Schweiz» (Weblink)

Migros Magazin, 04.2012, «Die Schweizer Musik-Szene müsste internationaler arbeiten» (Weblink)
Weitere Artikel und Podcasts zu Norient gibt es hier.

«Sonic Traces: From Switzerland» wird unterstützt von:

Das Rap-Duo Fokn Bois hat es in ihrer Heimat Ghana in den letzten Monaten auf die Titelblätter geschafft. “Sexing Islamic Girls” heißt ein aktueller Song. Das Video dazu ist vollgepackt mit obszönen Anspielungen. Zu sehen sind Rapper Mensa und Wanlov, wie sie verschleierten Frauen glitschiges Obst und Früchte in Phallusform reichen. Die Fokn Bois reagieren mit ihrem Video auf die wachsende Terrorgefahr in Westafrika. Die Islamisten von Boko Haram haben Verbindungen zu Al Quaida – seit knapp zwei Jahren machen sie regelrecht Jagd auf Christen im Norden Nigerias. Mittlerweile sind über 1000 Menschen bei Angriffen auf Kirchen gestorben. Erst letzten Sonntag tötete ein Sturmkommando 20 Besucher eines Gottesdienstes in der Stadt Kano. Die ‘Fokn Bois’ stellen sich auf die Seite der Verfolgten und kontern mit provokanten Texten:

Wanlov: In den Nachrichten hört man immer wieder, dass die Boko Haram Terroristen in Nigeria Kirchen anzünden. Sie können also kaum Zeit haben um sich um ihre Frauen zu Hause zu kümmern. Wenn sie also mal wieder in „heiliger Mission“ unterwegs sind, statten wir ihren Frauen einen Besuch ab und bringen ihnen Essen vorbei. Früchte wie Bananen und Kokosnüsse.

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Das Thema ist höchst brisant. Auch wenn Boko Haram bisher nur in Nigeria Leute terrorisieren. In einer Videobotschaft vom Mittwoch haben sie neue Anschläge angekündigt. Auch die beiden Rapper der Fokn Bois könnten dabei ins Visier geraten. Das ist ihnen bewusst:

Mensa: Wir wollen zeigen, dass Frauen mit islamischen Glauben, auch genüsslich, ihre Zeit verbringen können. Allerdings bin ich ein bisschen enttäuscht über die Reaktionen auf das Video. Ich dachte die Leute wären schockierter. Eigentlich hatten wir nicht erwartet, dass wir heute noch am Leben sind.

Der Song mit den muslimischen Frauen war nicht das einzige Lied der Fokn Bois, das kontrovers diskutiert wurde. Letzten Sommer sangen die Ghanaer: “Thank God, we are not a Nigerians.” Die HipHopper spielen darauf an, dass Ghana und der große Nachbar Nigeria seit langem ein schwieriges Verhältnis zueinander haben. In beiden Ländern wohnen jeweils Minderheiten der anderen Seite. In “Thanks God we are not a Nigerians” besingen Wanlov und Mensa die Klischees, die zwischen Ghana und Nigeria exisitieren. Als der Song erschienen ist, durfte er in den Radios in Ghana nicht gespielt werden. Letztes Jahr aber haben die Terroranschläge auf Christen in Nigeria zugenommen. Seitdem bringen die Radiosender in Ghana den Song immer öfter.

Wanlov: Wir haben Morddrohungen per SMS erhalten. Und als wir im Radio zu Gast waren, haben Hörer angerufen und uns Prügel angedroht. Immer wenn wir auf der Straße Nigerianern begegnen, die den Song kennen, werden wir freundlich von ihnen begrüßt.

Mensa: Die meisten Leute, die den Song nicht mögen, haben ihn selbst nie gehört. Sonst würden sie mit drüber lachen können. Erstens weil er lustig ist, zweitens weil er stimmt und drittens weil er ironisch gemeint ist und eigentlich mehr über uns Ghanaer aussagt, und wie sehr wir den Leuten in Nigeria ähneln, ja sogar schlimmer sind als sie. Es gibt also keinen echten Hass gegen Nigerianer.

Photo by Eugene Akawumi © 2012

Die beiden Fokn Bois kennen sich noch aus der Schulzeit in Ghana. Mensa ging hinterher nach England, Wanlov in die USA. Heute nennt er sich “African Gypsy”. Sein Markenzeichen sind lange Dreadlocks und ein bunter Wickelrock – darunter trägt er angeblich NICHTS. Den Beweis dafür lieferte er neulich in einer Talkshow im Ghanaischen Fernsehen:

Wanlov: Ich war zu Gast in der populärsten Talkshow in Ghana und wurde von der Moderatorin gefragt, ob ich Unterwäsche trage. Ich antwortete „Nein, ich trage keine Unterwäsche“. Daraufhin hat die Moderatorin gesagt, dass ich es beweisen soll. Und das habe ich dann gemacht.

Wanlov hat sein bestes Stück zur Primetime im Fernsehen gezeigt. Hinterher war er in Ghana das große Gesprächsthema und verdrängte selbst den laufenden Wahlkampf aus der Berichterstattung.

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Seine Freizügigkeit hatte noch weitere Konsequenzen:

Wanlov: Die Moderatorin wurde gefeuert und sie haben fünf Mitarbeiter entlassen. Der Informationsminister fordert, dass er ich bestraft werden soll und schlägt vor, dass ich das Grass am Flughafen für einen Monat lang mit einem Küchenmesser schneide. Während die Moderatorin mit dem Finger auf mich zeigt und mich alle Leute am Flughafen sehen können.

Wie ernst der Minister das gemeint hat, ist unklar. Fest steht, das solche Aktionen den Fokn Bois schon viel Ärger eingebracht haben. Als reine Provokateure sollte man die beiden Querdenker aus Ghana allerdings nicht abtun, sie haben durchaus ein ernstes Anliegen. Denn die Ghanaer haben Angst, dass sich Hass und Terror aus dem chaotischen Nigeria auch in ihrem verhältnismäßig sicherem Land ausbreiten. Mit ihren Provokationen haben es die Fokn Bois geschafft, was anderen Rappern in Ghana nicht gelungen ist: Ihre Botschaften werden über die Landesgrenzen hinaus gehört.

Die FOKN Bois auf norient:

Afro-Ulisses im Doppelpack
Der Trickster aus Accra
FOKN Bois do Switzerland
Festival 2012: Norizons are expanded

Elvis Presley
«Love Me Tender»
von der Single «Love Me Tender» (RCA, 1956)

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Müslüm: Elvis Presley – hat der eine Migrationshintergrund?

Nicht dass ich wüsste. Er war Soldat und «Love Me Tender» damals ein bekanntes Soldatenlied. (Recherchen haben ergeben, dass Elvis tatsächlich hin und wieder mit einen Roma-Migrationshintergrund in Verbindung gebracht wird, d. Red.)

Semih: Ich glaube, dieser Song sagt Müslüm nicht viel. Er würde ihn wahrscheinlich seiner Freundin Roswitha nicht vorspielen, obwohl die Aussage an sich passt. Musikalisch könnte das Lied seinen seelischen Zustand aber kaum in Frequenzen wiedergeben.

Müslüm: Ich bevorzuge anatolische Paarungsfrequenzen für meine Paarungsverhalten.

Im Erich Hess-Song propagierst du das Motto: «Ich habe eine Traum, dass wir alle zusammen füdleblutt auf eine Huufe lige und miteinander Liebe mache» – Hast du diesen Traum auf deinem Debutalbum «Süpervitamin» immer noch?

Müslüm: Natürlich! Die Liebe ligt auf meine Zunge. Ihre Name ist Süpervitamin. Eine Medizin, die die kranke Menschen gesund macht, wie eine Placebo. Süpervitamin soll alle zusammen müsikalisch in Stimmung bringen, und das Bevölkerungswachstum für die nächste 30 Jahre in die Schweiz garantieren.

Celine Dion
«My Heart Will Go On»
von dem Album «Let’s Talk About Love» (Epic, 1997)

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Müslüm: Wenn ich mit Roswitha auf einem Schiff auf dem Brienzersee wäre und dieses Lied würde gespielt, das Schiff würde von selber untergehen, weil die Musik so schlecht ist.

Titanic läuft jetzt in 3D in den Kinos. Gehst du manchmal auch ins Kino?

Müslüm: Ich stehe mehr auf Serien. In den 80er-Jahren habe ich mir Nightrider angeschaut. Ein grosses Vorbild für mich, wir haben auch viel gemeinsam: Brusthaar, schnelle Autos, Alkohol. Aber eigentlich gehe ich nicht ins Kino. Ich bleibe zu Hause und mache Party mit Roswitha.

Semih, hat Müslüm überhaupt einen Sinn für Romantik?

Semih: Ich glaube, Müslüm ist vor allem von der Melancholik der türkischen Musik angetan. Er ist innigst und zutiefst emotional mit Roswitha verbunden. Wenn es auf dem Balkon genug Platz hat und die Satellitenschüssel gerade nicht im Weg steht, dann könnte ich mir schon vorstellen, dass er sie zu einem romantischen Abendessen auf seinem zwei Quadratmeter grossen Minibalkon ausführt.

Seit Neustem hast du eine Sendung auf DRS1, letztes Jahr hast du Stadttouren gemacht, beim Bund Essay-Wettbewerb warst du Moderator – hast du überhaupt noch Zeit für die Liebe?

Müslüm: Eigentlich habe ich gar nicht so viel gemacht. Ich habe nur Liebe gemacht!

Semih: Es war mir wichtig, nach dem grossen Rummel um den Erich Hess-Song nicht einfach die Gunst der Stunde zu nutzen und irgendetwas in die Runde zu werfen. Ich wollte mir genau überlegen, was jetzt die Folgesteps sind: textlich, inhaltlich, musikalisch… Das hat mich viel Kraft gekostet und letztlich zu «Süpervitamin» geführt. Ganz ehrlich: Viel passiert ist nicht. Ausserdem hatte ich letztes Jahr noch einen Bandscheibenvorfall und eine Operation.

Gloria Gaynor
«I Will Survive»
von dem Album «Love Tracks» (Polydor, 1978)

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Semih: Dieser Sound erinnert mich an meinen Onkel. Der hat in den 70er-Jahren oft im ehemaligen Berner Mocambo-Club abgehangen und war der ultimative Gigolo. Nachdem er später ausgewiesen wurde, hat er in der Südtürkei in seinem alten Renault diese Sachen wieder angehört und allen von seinen Räubergeschichten erzählt, als er im Mocambo auf seinen Jagdzügen war. Oder als er Tuberkulose hatte, sei er in der Nacht durch das Fenster abgehauen und habe im Mocambo Party gemacht und ist dann am Morgen wieder zurück ins Spital gegangen.

Zum Thema Liebe gehört auch Trennung. Dieser Song handelt davon, wie sich eine Person von einer Trennung erholt und den Schmerz verarbeitet. Hat du auch schon Trennungsschmerz erlebt, Müslüm?

Müslüm: Ich bin Wochenend-Single. Von Montag bis Freitag bin ich mit Roswitha zusammen. Ich habe den Trennungsschmerz jeden Freitagabend, wenn ich meine Ring ausziehe und meine Single-Chetteli anziehe.

Semih: Wahrscheinlich singt Roswitha dann «I Will Survive» und Müslüm «I Can’t Get no Satisfaction».

Tarkan
«Şımarık»
von dem Album «Tarkan» (PolyGram, 1998)

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Semih: Tarkan! Das ist Türkei, das ist Heimat. Unsere Generation ist Tarkan. Roswitha ist übrigens auch ein grosser Fan von ihm.

Müslüm: Ich habe Streit gehabt mit Roswitha, weil sie sich immer wieder das Video zu diesem Song angeschaut hat. Aber ich toleriere es jetzt: Wenn es um den Trieb gehen würde, wäre ich Tarkan weit überlegen.

Semih: Müslüm hat Tarkan lange als Konkurrenz wahrgenommen. Mittlerweile konnten sie sich aber anfreunden und Müslüm tanzt sogar zu dieser Nummer.
«Simarik» war ja sehr populär hierzulande. Der Song hat es bis auf den dritten Platz der Singlecharts gebracht. Worum geht es in diesem Text eigentlich?

Semih: Um einen Typen, der eine bestimmte Frau rumkriegen will, dies aber nicht auf die Reihe kriegt. Vielleicht ist er gerade deshalb von ihrem frechen und arroganten Auftreten so angetan. Wenn er sie erwischen würde, würde er sie küssen, singt er im Refrain mit den beiden berühmten Küssen; der Türke versteht hinter diesen harmlosen Küssen aber noch mehr…

Und wie ist dein Verhältnis zu Tarkan?

Semih: Tarkan ist der Michael Jackson der Türkei. Müslüm hat sich für sein neues Album bei Tarkan sicherlich auch inspirieren lassen. Tarkan hat in den letzten Jahren aber ziemlich abgegeben. Vermutlich musste er sich in einem Vertrag einmal dazu verpflichten, endlos Alben und Hits zu produzieren. Das ist zu einer ziemlich lieblosen Geschichte ausgeartet. In der Zeit von «Simarik» war er aber noch toll, da hatte ich ihn mir auch noch angehört. Es gibt natürlich andere Lieder, die inhaltlich und musikalisch weitaus mehr zu bieten haben als «Şımarık». Aber logisch, das ist der kommerziellste Hit. Tarkan hat in der Türkei übrigens das Militär verweigert und ist dort deshalb bei Manchen auf negative Resonanz gestossen.

Müslüm
«Diskothek»
von der Single «Diskothek» (Muve Recordings, 2012)

Das ist deine neue Single, die bereits Anfang April erschienen ist.

Semih: Über die Disko kann man ja eigentlich nicht mehr viel erzählen. Und doch bringt der Song ziemlich genau auf den Punkt, was in der Disko letztendlich wirklich abläuft.

Müslüm: «Diskothek» erzählt die Geschichte, wie ich Roswitha kennengelernt habe. Wie die Geschichte weitergeht, folgt auf dem neuen Album.
Im Lied singt Müslüm: «In der Disko kommuniziert man mit dem Chörper, keine komplizierte, fremde, schwierige Wörter.» Können Südländer besser tanzen als Schweizer?

Semih: Nach all den Jahren Nightlife kann ich bestätigen, dass dieses Klischée tatsächlich existiert – ich habe das immer wieder von Frauen gehört. Ich glaube, der Schweizer könnte zwar auch tanzen, der Ausländer bevorzugt aber den körperlichen Dialog.
Auf den Schweizer Radiostationen ist der Track bislang noch überhaupt nicht gelaufen.

Semih: Auf You-Tube ist Müslüm seit drei bis vier Jahren eine gestandene Grösse, die Radiostationen haben das bis jetzt aber noch nicht begriffen. Ich denke, dass dieser Mix – wir sprechen ja hier neuerdings von Immigranten-Pop – schon ziemlich interessant wäre. Musikalisch bewegen sich die Songs auf einem hohen Niveau und würden auch international bestehen. Auf «Diskothek» hat etwa der libanesisch-schweizerische Komponist, Gitarrist und Oud-Virtuose Mahmoud Turkmani das Oud eingespielt. Die Frage ist, wer von den Radiostationen den ersten, innovativen Schritt wagt? Oft bekomme ich zu hören, dass ich wegen dem Erich Hess-Song politisch behaftet sei. Unpolitischer als «Diskothek» geht es nun aber wirklich nicht mehr!

Hast du neben Turkmani noch andere Gäste auf dem Album mit dabei?

Semih: Es sind noch sehr spannende andere Musiker dabei. Wer das ist, will ich aber noch nicht verraten.

Zurück zum Song: Ist die Diskothek Völker verbindend?

Semih: Disko ist extrem inhaltslos, das ist Egostreicheleinheit hoch sieben. Auch das Cover von Müslüms Single geht in diese Richtung. Ich glaube, er ist noch nie so selbstverliebt im Licht gestanden, wie auf dem Diskothek-Cover. Das wird sich ändern, wenn «Süpervitamin» herauskommt. Ich denke aber schon, dass in der Disko eine Art «müsikalische Integration» stattfindet.

Das funktioniert aber nicht, wenn Türsteher nur Schweizer reinlassen.

Semih: Ich habe diese Erfahrung auch schon gemacht und bin nicht in eine Disko gekommen, nur weil ich Türke war und einen C-Ausweis hatte. Ich glaube, viele Clubs leben in dieser Illusion, dass ihre Besucher irgendeinem Ideal entsprechen und sich in einem homogenen Pool einfügen müssen, damit am Schluss eine gute Party entsteht. Es ist erschreckend, was hier abgeht, aber was willst du dagegen tun?

Müslüm: Ich habe eine Traum, dass wir einmal alle zusammen mit der Cümülüs-Charte überall reinkommen!

–
«Süpervitamin» ist ab dem 25. Mai im Handel erhältlich.
Dieser Artikel ist zuerst erschienen im ensuite Kulturmagazin Nr. 113 | Mai 12

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Müslüm auf norient:
Müslüm Cilli Bom
Eine CD für die Reitschule Bern

La Gale (Foto Thomas Burkhalter)

Rapper Karine Guignard aka La Gale is half Swiss and half Lebanese. She arose from the Lausanne punk- and DIY-scene. Rapping straight forwards without ornaments, a continuous storm of phrases. She raps about social grievance in Switzerland and about the injustice of global politics in the Middle East. «We are a rich country and never had colonies; yet we have a lot of blood on our hands», says Guignard in the interview with Norient. La Gale is rebelling – via microphone at mid-pitch, with clearly articulated content.

She found the perfect producer for her first CD: Christian Pahud of Lausanne electro-rock combo «Larytta». His bass-lines vibrate deeply, combined with dark beats, full of noise and distortion. Sounds, as if a hammer would hit wire mesh, lashing cuts, blended with samples from old movies, and some infrequent scratches. In contrast, the playful side of Larytta: Electro-pop melodies and rare oriental twists, sometimes quite catchy. This fits perfectly with La Gale: «The music shall be dark yet moving», she says: «Indeed; sunshine, flowers and butterflies are not that inspiring for me, still they give me energy in order to protest against the dark side of life.»

Podcast

CD (Vitesse Records / Irascible)

Sonic Traces: From Switzerland

Norient spoke to La Gale in the context of the project Sonic Traces: From Switzerland.

Grey Filastine, you have a new album out. What is your main emotion about it right now?

Relief, it’s like having a baby, but instead of 9 months gestation period it is two years.

You are collaborating with artists worldwide for many years. I remember the great recording with Algerian rapper Ourrad Rabah for example, and many other tracks. How do you finance your projects and make a living?

I survive now from performing. The only problem is when I stop touring in order to work on videos or new music, there is a sudden end to the cash flow. In those lean moments I find some odd way to make money, buying and selling things on Ebay. I still own Yellow Taxi in America, it’s in operation 24hours per day, but leased into a friendly cartel of Somalis. I make a little money on that too.

How do you live?

I live on diet of stress, panic and complex travel logistics. But I live well.

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How do you find the artists you collaborate with?

I always get introduced by mutual friends, sometimes via bizarre serendipity. I’ve never done a mail-order for hiring a famous vocalist. For instance, Amélie Bouard, the cellist. I met her once while she carried her instrument on the street in Lyon. One year later I was due to perform in Reunion Island, leaving from Lyon, and had a VJ with me. He cancelled the day before the flight, and we could only change the name on the ticket… we called this cellist and offered her a trip to Reunion the next day and play cello with me. She learned the parts on the 12 hour flight and has toured with me ever since.

How do you see the music scene in Indonesia. What were the groups, musicians, networks that interested you? Can you recommend Norient some local names, links, tracks and/or videos?

Yes, here some of my favourites: Yes No Wave Music (net label and series of parties in Jogyakarta)

Homicide (political hiphop crew from Bandung)

Taring Padi (art interventionists and remixers of traditional culture, Jogykarta)

Multicultural State Hegemony (by http://taringpadi.com)

Wukir (experimental musician, makes own bamboo instruments, from Malang)

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Jalan Surabaya (jakarta-sydney hiphop group)

What was the musical or acoustical material that interested you?

I love pentatonic scales, something common to that old Ethiopian jazz, gamelan, and many other musics. You can hear a lot of these melodic scales in £00T. There is nothing new to Indonesian music that made a sudden impact for this album, I’ve been listening to gamelan since I was a teenager, just never had a chance to spend enough time there to feel like I could work with those instruments before. Working with Nova and making the videoclips in Java provided that opportunity.

How does the exchange between you and these musicians work? Are you in charge of the final edit, mix and master, or do you experiment with new forms of collaborations? What do you think is the right way to go?

With rare exceptions I handle all the compositions, arrangements, editing and mixing. If another person does all that work than that music should be released under their name, not mine. There doesn’t seem to be a “right” method yet, we are all still improvising with these new forms of technology and collaboration. My personal threshold for right is set very high. Most global-electronica stinks of exotification, superficiality, or is just simplified to some kind of least-common-denominator music gruel in order to have a broader appeal. But, and this is a big but, I try to keep my mouth shut and let listeners come to their own conclusions about other artists work. Many of the artists I could criticize are enjoying more success than me, so it’s clear that I’m the one who is too picky.

Music is only a small part of Filastine….

For Filastine I also lead the graphic design, produce video clips, compile and perform live video, and am generally self-managed, which means I might prioritize a gig in Siberia or Cairo more than London, against all business-sense. Outside of Filastine, I’m developing a few other projects, the newest is the Sound Swarm, a type of megaphone surround-sound orchestra that uses a city as a reverb chamber for mobile sound interventions, usually mounted on bicycles.

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How do you see the dominant political world?

Power and commerce are consolidating themselves across borders. Nations, which were never a lovely concept to begin with, are now superseded by something worse: corporations. With climate change we face the biggest crises in the history of humanity, but we haven’t found the will to confront it. Although the situation is fucked, it’s definitely an exciting time to be alive!

What is £00T about:

It has a few meanings, first is the noun loot: stolen objects, another word for booty. The verb loot, in a command form: go looting. The odd spelling makes it into the new currency £00T, Which will be highly valuable in the future, buy some now, because after all the national currencies collapse where do you want to have your savings?

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We live in the most accelerated and thrilling time of musical cross pollination, and electronic music mutates, splits, and reforms so rapidly in response to new inputs. I think if rock music was discovered now, with an Elvis just stealing his first licks from “black music,” the entire rise and fall of rock would last only a decade, instead of a century. It would enter into the cultural blender and get spit out as quickly as any other modern music. But since rock has pre-internet ossified form, like chamber music or Celtic music, now a continuing folkloric art form… albeit with a new haircut every few years. The new tech tools and rapid transits have smashed all the cultures together in polyglot cities which act as crucibles for new pidgen hybridizations of language, culture, music. There is no going back.

Terms and scenes like Global Ghettotech, Tropical Bass were coined. How do you see these terms and scenes? Do you feel somewhere close to them?

These kind of terms are always weird and inaccurate, but we have to use some words right? I feel like a cousin to artists in this nascent genres. I’m glad they are there, because without them I wouldn’t have any family at all. Original is just another word for lonely.

Your label Post World Industries was founded in the late 90′s by the noise/performance collective ¡tchkung!, and later maintained by Richard Wilson and Grey Filastine. Wilson was nabbed by the FBI & is now in Federal prison. What happened?

He was running a speakeasy bar and casino, the local police made a partnership with the FBI to organize an investigation that involved years of undercover agents and wiretapping. The idea was to get him in a vise, forcing him to snitch information on a series of eco-sabotage cases. He either doesn’t have that information or won’t share it, so he has a seven year vacation to “Club Fed” – “Federal Prison”.

What happened next, musically. Will you tour with the musicians from your new album?

I’ve been touring the new album already in North America, followed by a performance in Cairo just near Tahrir Square. Now starting a three month EU tour. Here in Europe I’m joined for all gigs by Nova, the Javanese rapper/singer. We will also have Amelie, the cellist from Lyon, along for gigs when the promoters offer enough loot.

The CD

Reggae-König Bob Marley sagte einst: „Wenn Reggae irgendwann in Afrika ankommt, wird er in eine neue Dimension eintreten“. Den Urknall dieser neuen Dimension durfte der jamaikanische Reggae-König, der vor 31 Jahren starb, nicht mehr erleben. Zwei Jahre nach seinem frühen Tod stand Alpha Blondy mit Musikern aus Ghana wippend im Studio und sang „thy glory shining, bright down on me all the way…“. Doch lang und keineswegs nur sonnig war der Weg bis Blondy vor diesem Mikro stand.

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Elvis der Elfenbeinküste

Als erstes von neun Kindern wurde er 1953 als Seydou Koné in Dimbokro an der Elfenbeinküste geboren. Bei seiner Grossmutter aufgewachsen, zog es ihn mit neun Jahren zu seinem Vater nach Odjenné und zehn Jahre später nach Korhogo ins Internat, wo er sich der Studentenbewegung anschloss und seine erste Band, die „Atomic Vibrations“ gründete – ganz der charismatische Frauenschwarm nannten ihn seine Freunde Elvis Blondy. 1976 beschliesst er in das Land des echten Elvis zu gehen und dessen Sprache zu lernen. Doch prägend waren weder seine Englischkurse an der Columbia University in New York, noch sein Brotjob als Kurier. Das was wirklich einschlug war ein Konzert des jamaikanischen Reggae-Musikers Burning Spear im Central Park. Blondy war infiziert von der Rastafari-Philosophie, passte dieser Esprit doch bestens zu dem, was ihm damals seine Grossmutter beigebracht hatte: „Sei aufrichtig!“

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Auf dem Weg zum eigenen Sound

Als Blondy 1980 an die Elfenbeinküste zurückkehrte musste er sich eingestehen, dass aus seinem grossen „American dream“ nicht viel geworden ist. Da stand er nun mit Dreadlocks in seinem alten Heimatdorf, sprach von seiner wohlüberlegten „Rastafoulosophie“ und vom Ideal demokratischer Mitbestimmung – und wurde nur schief angesehen. Um den Rekulturschock zu überwinden, brauchte es den Schubs seines alten Schulfreundes Fulgence Kassi, der mittlerweile beim Fernsehen arbeitete und ihm dort ein Podium verschaffte. Und sieheda: 1983 sang er das besagte Album „Jah Glory“ ein, eine der ersten Reggae-LPs des afrikanischen Kontinents. Bald darauf folgte „Jerusalem“ (1986), das ihm mit mit der Würze von Marleys „The Walers“ weltweiten Erfolg einbrachte.

Doch Blondy wollte zwar Nachfolger, aber keine Kopie seines grossen jamaikanischen Vorbildes sein: Mit seinem guten Riecher für talentierte Musiker und Arrangeure formt er sich aus Schlagzeug, Bass und E-Gitarre, aber auch Instrumenten wie einer guineischen Flöte, einer arabischen Oud oder der typisch westafrikanischen Laute Kora seine eigene Afro-Reggae Identität. Dass sich er und seine Band Solar System diesem Sound auch nach 20 Millionen verkauften Alben treu geblieben sind, reflektiert sein jüngst erschienener Wurf, das Live-Album „Alpha Blondy Live“.

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Zweifel und Hoffnung

Auf diesem Querschnitt durch sein Schaffen ist zu hören, wie wichtig Blondy die politische Message ist: Das auf dem Boden gebliebene Alphatier singt gegen Diktatur, gegen Militärputsche, gegen Beschneidung, gegen die Schikanepraxis der Polizei, gegen die harten Realitäten seines Kontinents und setzt dem Kummer der Welt Visionen und Hoffnung entgegen. Dennoch wurde sein pazifistischer Kampfgeist immer wieder von Phasen des Zweifelns und schweren Depressionen überschattet. Auch dies verarbeitet er in seinen Liedern: „Es hat mir sehr geholfen, über meine Wunden und den Frust zu singen“ erzählt er 2011 in einem Interview mit Reggaenews.

God is one

Wohl sind es auch diese Krisen, die ihn mehr und mehr zur Religion führten. Doch woran glaubt ein Rastafari, der Sohn einer muslimischen Mutter und eines christlichen Vaters ist? Ganz einfach: an Gott. Denn für Blondy gilt „God is one“, wie er es auf dem Album Massada (1992) auf den Punkt bringt. Genauso wie Landesgrenzen, hält er auch Religionsgrenzen für schädliche Konstrukte und möchte die drei monotheistischen Weltreligionen Christentum, Islam und Judentum in einem Einheitsglauben aus Toleranz und Liebe verschmelzen lassen. Um dies möglichst weit zu streuen, singt er auf Englisch, Französisch, Arabisch, Hebräisch und seiner Muttersprache Dioula, besucht Kirchen genauso wie Moscheen und Synagogen und tritt keine Tour an, ohne eine Bibel, den Koran und den Davidsstern dabei zu haben. Dies sind seine Glücksbringer damit seine transkonfessionelle, „interplanetarische Liebe“ – wie er es selbst nennt – strömen kann.

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Teil 1 des norient Reggae-Specials: Reggae findet im Kopf statt

Dieser Artikel ist zuerst erschienen im Bieler Tagblatt vom 10. Mai 2012.

Tim & Puma Mimi (Foto Karin Scheidegger, norient)

Michiko Hanawa (Puma Mimi) und Christian Fischer (Tim) trafen sich in Amsterdam. Puma Mimi studierte Museologie und Tim Kunst. Er produzierte eher «düstere» bis «experimentelle» elektronische Musik und spielte bei Seelenluft und Märklin. «Ich solle mal auf japanisch singen, fragte er mich», erinnert sich Puma Mimi: «Bislang hatte ich allerdings bloss in einer drittklassigen japanischen Punk-Band gesungen, und dort immer in schlechtem Englisch». Tim wollte schräge japanische Musik hören: «Ich hatte dieses Klischee im Kopf, von schräger japanischer Kunst und Popkultur. Dieses Freche, Frische und Direkte wäre ein spannender Kontrast zu meiner Musik.»

Heute sind Puma Mimi und Tim verheiratet und leben in Zürich. Länger haben sie vor allem via Skype kommuniziert, geprobt, und sie sind auch live aufgetreten – Tim auf irgendeiner Bühne in Zürich, Amsterdam oder New York, Puma Mimi zuhause in Tokio. Mit «The Stone Collection of Tim & Puma Mimi» (Mouthwatering Records) geben die beiden jetzt ihr zweites Album heraus. Das Rezept funktioniert: Japanische Sprechgesänge und Girlie-Melodien interagieren mit knackiger Elektronika, tiefen Bass-Beats und einem Schuss Indie Rock. Quere Klavierpassagen, Steeldrum-Klänge, eine Querflöte und ein Hackbrett spielen dazwischen. Musikalische Vielfalt und Direktheit passen zum Zeitgeist, die kunstvollen Videoclips und Pressefotos auch. Ein stimmiges Gesamtprodukt.

Podcast (28’53)

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Das Album (Release Schweiz 11.5.2012)

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Ausschnitte aus dem Interview

The Beginnings:

Michiko Hanawa: «Christian said, could you sing something in Japanese? And I said, why not? Actually, I’ve never sung in Japanese. In my Japanese pop punk band, I sang in English, broken English, but English, which I thought was cooler than Japanese. I have never sung in Japanese.

Tim und Puma Mimi (zvg)

Japan-Image

Michiko Hanawa: «I buy colorful clothes for Pumi Mimi, but not for me. Michiko Hanawa and Puma Mimi are the same person, but I exaggerate a little bit to make Puma Mimi funnier. »

Christian Fischer: «The funny thing is that in the beginning you were completely against all that. Michiko played in a punk band before and once she showed me a video and they were all dressed black and didn’t move at all on stage, just standing there and playing and I was like come on if you play concerts I want you to have like colorful clothes and makeup.»

Michiko Hanawa: «He had this weird image in mind of Japanese pop singers, with really weird clothes – so I first had to tell him that not all Japanese are like that.

Christian Fischer after a Skype Concert (zvg)

Skype Concerts:

Michiko Hanawa: We made these skype concerets, Christian in a club in Switzerland, Berlin and New York, and I’m singing from Japan in the kitchen alone to the computer, to the Skype and then that will be projected on Christian’s side, the big screen in the club. So it’s a long-distance live show.

Thomas Burkhalter: In these events were you the private Michiko or Puma Mimi?

Michiko Hanawa: Oh, that was a very difficult part. If you have a real show, then you know I will be on stage. Audience is there and then let’s party. But in the Skype concert, it’s usually like 6, 7 o’clock in the morning in Japan. And so I just wake up and still feel like dizzy and then drink coffee and then suddenly the team calls me and then okay, let’s start the show. I’m like, oh, oh, where am I. And so it was the most difficult part of these Skype shows for me. The first one or two shows I was bit stiff on the screen I think. I didn’t know how much I can move from the screen because sometimes the projector is quite slow, and delayed. So if I move too much then I’m just like a blur on the screen. So I tried to stand still and just singing like news, Nachrichten, yeah.

Thomas Burkhalter: Did you were the stage costume?

Michiko Hanawa: No, sometimes the pajama. And I hang stuff in the back, so you don’t see the messy apartment too much. And sometimes the tea cup also was in the picture. So people can see Mimi drinking tea or coffee.

Christian Fischer: Once we could even show the sunrise. That was really nice. It was in Helsinki Club and we had to play two sets. So we had half an hour in between which was just the right moment for sunrise. So Mimi could turn the computer to the window and you could see the skyscraper and then the sun coming up. It was funny to have this in a club at 11 at night. At that moment people started to believe it’s real.

Thomas Burkhalter: How does it work technically?

Christian Fischer: The thing is that we are an electronic band and Michiko hears only the playback. I send her the beat, and she sings to this beat and then only her voice comes back. We have around one second delay. And then the same beat from the playback is played to another channel. And in this channel, I adjust the delay. So if I press play on the playback, it goes first to Japan, and then maybe with one second delay, it comes here also on stage and then we can play to this playback like the drummer plays what he hears from the playback and I try to fit in Michiko’s voice to this till I sing and often it works good. But if it didn’t work good, it was also interesting because then people believed that it’s not a fake. Once I played in New York in a small club and I was in the middle and around, it was just couches, and some friends invited friends from a New Media School and the connection was really bad. The picture was always like hanging and then just some parts of the picture were renewed and I was like, shit, it’s so bad today. And all these New Media guys are sitting in front of me. I was really a bit ashamed and then in the end I asked them, how did you like? Wasn’t it too chaotic with this bad connection? No, it was great. All this distortion on the image, I mean other guys do it with visual thing with extra distortion and in your case it has to be like this.

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Tim & Puma Mimi (Foto Karin Scheidegger, norient)

Sonic Traces: From Switzerland

Das Gespräch mit Tim & Puma Mimi fand im Rahmen des Norient Projekts Sonic Traces: From Switzerland statt.

Wahrscheinlich schlägt sogar sein Puls im Offbeat. Schon wenn dem ansteckend entspannten Tarrus Riley seine Lieblingsworte «Peace», «Love» und «Consciousness» über die Lippen gehen ist Aufheiterung im Anmarsch. Wenn er dann aber mit seiner warmen Tenorstimme zu singen beginnt, bekommt man ungefähr eine Vorstellung von dem, was er mit dem «Healing-effect» seiner Musik meint: «Ich möchte dass jeder Zuhörer abschaltet, einfach nur geniesst und sich nach meinem Konzert besser fühlt.» Dass seine ambitionierten Pläne nicht nur Hirngespinste sind, haben ihm die Leser des Reggae Magazins »riddim» bestätigt indem sie ihn zum »Besten Live Act 2011» gewählt haben. Sein «Therapiegeheimnis» ist das kollektive Auskosten verschiedener Gefühlsslagen: «Manchmal braucht man ein Liebeslied, dann eher etwas kämpferisches, später einen Ganga-Song. So wie ein Jazzer verschiedene Modi beherrscht, spiele ich mit diesen Stimmungen.»

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Jimmy Rileys Thronfolger

Tarrus Riley wurde 1979 als Omar Riley in der New Yorker Bronx geboren. Alle Zeichen standen auf rot gelb grün, dass Tarrus einen musikalischen Weg einschlagen wird – wie kann er auch anders als Sohn der jamaikanischen Reggae-Ikone Jimmy Riley. Mit 11 Jahren brachte Tarrus seine erste Single «Love And Promotion» heraus, zu Teenage-Zeiten lernte er das DJ-Handwerk und arbeitete schon bald mit dem legendären Reggae-Saxophonisten und Produzenten Dean Fraser zusammen. «Singy Singy», wie der junge Tarrus wegen seines pausenlosen Herumträllerns genannt wurde, fühlte sich von seinem Vater weder überschattet, noch zum Reggae-Wunderkind stilisiert: «Ganz im Gegenteil, ich bin meinem Vater sehr dankbar, dass er mich so früh in ein musikalisches Umfeld gebracht hat». Und sein Vater sollte auch ihm dankbar sein: Durch den richtig getimten Erfolg seines Sohnes bekam auch Jimmy, der in der Reggae-Primetime der 70er mit «The Sensations» und «The Uniques» weltberühmt wurde, frischen Wind in seine eigene Karriere.

Jimmy & Tarrus Riley Live @ Mystic Mountain, Jamaica (Foto: Flickr, Lebawit Lily Girma)

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Back to the roots

Mit Tarrus Rileys Nummer-1-Hit «She’s royal» in den Jamaikanischen Charts im Jahre 2006 wurde besiegelt, dass die zweite Reggae-Generation trotz aller Dancehall-Innovationen auch den «klassischen» Reggae nicht aus den Augen verliert. Riley hat stilsicher einen Sound gefunden, der die Chill-out-Gediegenheit des Roots-Raggae mit melodiösem Soul, modernem R&B und rhythmusgeladenem Ska kombiniert. Zuordnungen möchte Riley aber vermeiden: «Ob jetzt Roots reggae, conscious-reggae oder Soul, selbst wenn es stilistisch total anders klingt – Reggae findet sowieso im Kopf statt.»

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In diesem Sinne ist auch sein im April erschienenes Album «Mecoustic» trotz langsam-melodiöser Balladen, bluesiger Mundharmonika über Klavierakkorden und langen Saxophonsoli «purer» Reggae. Aber wie geht das, akustischer Reggae? Riley erklärt das auf seine spirituelle Weise: «Mit den durchdachten Arrangements von Dean Fraser haben die aus meinen drei Alben Challenges, Parables und Contagious ausgewählten Lieder zwar ein neues Kleid bekommen, aber sie haben ihren Reggae-Geist nicht verloren.»

Blacksoil ist ein Gefühl

Der Retro-Stil von Tarrus Rileys Musik, seine verantwortungsbewussten Ratschläge in den Lyrics («So don’t you ever jump to judge, look beyond the cover before you jump to judge») und seine standfeste Lebensbejahung à la Bob Marley lassen den 33-jährigen fast schon als alten Hasen im Reggae-Business erscheinen: «Ich bin erwachsen geworden – so erwachsen, dass die Leute manchmal denken, ich sei viel älter. Aber ich sprühe vor Jugend!» Mit diesem Gemisch aus Erfahrung und Esprit will er nicht nur zeigen, dass Reggae zeitgemäss ist, er verweist auch immer wieder auf die jamaikanische Kultur und den Kern des Rastafari-Glaubens.

Mit seiner Bewegung «Blacksoil» («Bredren Living According King Selassie-I Overstanding & Iritical Livity») will er seinen Fans ins Bewusstsein reden und überzeugendes Rastafari-Vorbild sein. Im priesterlichen Ton legt der Dreadgelockte nahe: «Denkt’ an Afrika, denkt’ an Rastafari, denkt’ an Marcus Garvey, Blacksoil ist ein Gefühl!» Und in waschechter Reggae-Tradition besingt er sodann auch die afrikanischen Könige und das Rastafari-Zion als Wiege der Menschheit. Aber neben dieser «einzig wahren» afrikanischen Heimat fühlt sich Riley an vielen Orten zu Hause. Selbst seine Konzerte in Lausanne, Lyss und Zürich werden für ihn – mit ein paar Gangazügen Vorstellungskraft – zu Heimspielen: «Ich mag die Schweiz sehr, irgendwie fühle ich mich hier an die Landschaft Jamaikas erinnert».

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Teil 2 des norient Reggae-Specials: Afrikas Bob Marley
Dieser Artikel ist zuerst erschienen im Bieler Tagblatt vom 04. Mai 2012.